MAIZENITA PRESENTA “TIERRA NUEVA”, SU PRIMER TRABAJO DISCOGRÁFICO
Lander Egaña, "Maizenita" (1989), reside en Jerez de la Frontera, y debe su nombre artístico a su padre Iñaki Egaña, conocido bajista de Barrabás, Los Bravos, Los Brincos e Imán Califato Independiente, entre otros grupos. Joven cantaor que en su primer trabajo discográfico “Tierra Nueva”, deja constancia de su capacidad de transmisión, duende y compás, así como su afición desmedida por el flamenco. El primer trabajo discográfico del cantaor Maizenita, título inspirado por los nuevos terrenos que pisa alejándose de su casa, adentrándose en el flamenco y como no, por la nueva tierra en la que se asienta, Jerez de la Frontera. Un trabajo con un repertorio muy propio de Jerez, con cantes de la tierra, donde entremezcla letras populares con letras propias y donde quiere expresar ese cambio que experimenta alejándose de sus orígenes y acordándose de los suyos, de su casa, esa nueva experiencia en la distancia donde está aprendiendo y creciendo en el mundo del flamenco. Su disco consta de ocho cantes y se acompaña de grandes nombres como el de Gualberto, quien deja su sello con el sitar en los martinetes. También colaboran los guitarristas Paco León (con Paco Cepero), José Ignacio Franco (con Capullo de Jerez, el Torta), Juan Miguel Zarzuela, y al compás y jaleos están José Peña (sobrino de La Paquera de Jerez) y José Rubichi (de la familia de dicho apellido). Grabado y mezclado entre junio y agosto de 2014 en los estudios La Bodega en Jerez, por Josema García Pelayo y Joseca. Masterizado en Kadifornia por Mario G. Alberni. Ha actuado con gran éxito los dos días de presentación de su primer disco en el Teatro Arriaga en Bilbao agotando todas las entradas. Le acompañaron su habitual escolta Juan Miguel Zarzuela a la guitarra y José Peña y José Rubichi con las palmas y jaleos. Ha sido galardonado con el PRIMER PREMIO Y PREMIO DE HONOR del XIII Concurso de Cante Flamenco, organizado por la PEÑA FLAMENCA "LA PAQUERA DE JEREZ", celebrado el día 1 de Diciembre de 2012. Ha participado en el ciclo Flamenco en Rama de jóvenes valores en Damajuana, durante el Festival de Flamenco de Jerez de la Frontera 2012, en el de 2013 y también en el 2014, acompañado por la guitarra de Juanmi Zarzuela. Ha sido artista invitado en la actuación de El Torta en el de 2013. Y participó en el Festival Off de 2014 en el ciclo de cante puro, en el que intervinieron artistas como Antonio y Dolores Agujetas, Joaquín el Zambo, Sara Salado, y una larga lista de cantaores principalmente jerezanos. Ha actuado en el Festival Trasnoches Flamencos de Bilbao tanto en el 2013 como en el 2014, cuya programación también contaba con artistas como Miguel Lavi, Pepe Habichuela, Fernando de la Morena, La Macanita, Juana la del Pipa, Pansequito, Aurora Vargas, Miguel Angel Cortes, etc. Continua actuando de forma periódicamente en diferentes peñas flamencas y centros culturales de Andalucía: Peña Flamenca Juanito Villar (Cádiz), Peña La Zua (Jerez), Peña flamenca de Arcos de la Frontera, Peña Familia Flores (Arcos), Peña Alto de la Fuente (Gelves), Peña Canalejas (Puerto Real), Peña Tomas el Nitri (Puerto Sta. María), Tertulia Flamenca El Viejo Agujetas (Rota) Peña Flamenca La Higuerita (Huelva), Peña Flamenca El Pescaero (Jerez), Peña Flamenca El Niño de Barbate (Barbate), Peña Cultural Flamenca El Perro de Paterna (Guadalcacin), Peña Flamenca El Chumi (Puerto Sta. Maria), Peña Flamenca La trilla (Trebujena), Peña Flamenca El Carpio (Córdoba), Peña Flamenca El Morato (Almería), Centro Cultural Flamenco La Malagueña (Málaga), Peña Flamenca de Ronda (Málaga), Peña Flamenca La Reja (El Coronil) etc.; Ateneo Cultural Andaluz (Jerez), en el Festival Flamenco de Cantillana en Sevilla, en la Noche Blanca de San Fernando, diversos tabancos flamencos de Jerez de la Frontera, y diversas tabernas en Cádiz con las colaboraciones de los guitarristas Paco de Jerez, Juanmi Zarzuela, Miguel Aragón, Paco León y Santiago Moreno y los palmeros José Peña y José Rubichi con los que es habitual verle en los últimos recitales.
NUEVO DISCO DE CURRO PIÑANA “El alma lastimada y otros poemas” de Ibn Gabirol Con este disco, Curro Piñana culmina una trilogía dedicada a las tres culturas que poblaron y convivieron en la península Ibérica. Ha grabado en clave flamenca poemas procedentes de la poesía culta que inicialmente no estaban pensados para ser cantados. ![discocurropinanaelalmalastimada.jpg]()
La bella composición “El alma lastimada”, que da nombre a esta grabación de Curro Piñana es, lógicamente, el eje central de la poesía de Gabirol aquí recogida. Se muestra en esos versos el dualismo neoplatónico que hizo suyo el poeta y filósofo malagueño.Su obra poética no sólo adoptó el tono filosófico, religioso, elegíaco o de queja social o amorosa, sino que frecuentó la mayoría de géneros de moda en su época, incluyendo el panegírico. Igualmente hemos querido mostrar aquí su poesía más vitalista, más de celebración del amor, del vino, de la vida, su poesía báquica, como la composición chispeante “Llévame a los viñedos”. Todos los poemas de Ibn Gabirol han sido adaptados a partir de la traducción del original de Ángel Sáenz-Badillos (“El alma lastimada”, Córdoba, 1992). Pero el disco, aun teniendo a Ibn Gabirol como centro del mismo, no está dedicado sólo a él, de ahí el añadido “y otros poemas” del título, y aborda en su conjunto a la cultura lírica judía. Los romances medievales son otra fuente riquísima para adentrarse en el alma sefardí. Han sido adaptados algunos muy populares, como El Conde Olinos. También se han adaptado el nostálgico “El prisionero”, “Las tres cautivas” o el lleno de picardía “Tres hermanas”. Dentro del ámbito de los romances y letras populares se incluye también “Monte Sinaí”, en este caso en relación con el culto y la fe propia del judaísmo. Finalmente, el disco se completa con dos composiciones ad hoc, escritas pues para la ocasión por quien esto firma. La primera evoca en pocos versos la expulsión de los judíos de Sefarad, su gran dolor. Este tema se llama “Ay, Sefarad”. El otro es “Hanukkah”, con el asesoramiento documental de la medievalista María Martínez, profesora de la Universidad de Murcia. Este es el segundo disco de Curro Piñana para el que hago la adaptación literaria, por lo que siento el legítimo orgullo de haber participado de forma amplia en esta trilogía que hoy culmina el cantaor cartagenero sobre las grandes religiones del Libro. Ya, hace más de 15 años, di a conocer a Piñana la obra de Ibn Arabí y adapté varios de sus poemas, recogidos en el disco al que ya he hecho alusión antes. Mi relación, a un tiempo, con el flamenco y con la filosofía de las religiones, facilitó la labor. Sin embargo, esa labor primera no hubiese sido posible sin alguien con tanto talento y conocimientos como Curro, cuya voz, rica en registros y potentísima, acepta todo reto; su dominio amplísimo de los cantes, su formación musical y su inteligencia hacen el resto. En cuanto se le entregan, hace los temas paradigmáticamente suyos, los crea y los recrea continuamente en una sorprendente capacidad de demiurgo creador. En cada actuación, aunque el palo siga siendo el mismo, es al mismo tiempo otro, casi otra melodía en el constante estado germinal al que Curro somete los cantes. En fi n, aquí tiene el buen aficionado a la buena música otra joya piñanista. Un cantaor todavía joven y con un creciente prestigio mundial. Pasen, escuchen y `vean´. Toquen y crean. (Escrito por Antonio Parra) De Oriente a Occidente, una obra monumental Algunos cantaores han adaptado temas de la poesía llamada culta, así como pasajes del Cántico Espiritual y otras composiciones de San Juan de la Cruz. Sin embargo, nunca hasta hoy un cantaor había abordado la gigantesca tarea de adaptar poemas procedentes de las tres grandes religiones del Libro, todas ellas surgidas en un estrecho territorio geográfico, pero expandidas luego por todo el mundo: la judía, la cristiana y la islámica. Esa es la tarea enorme que hace ya más de una década se propuso el cantaor cartagenero Curro Piñana, y que culmina ahora con este disco que el lector tiene en sus manos. Una grabación dedicada a la cultura judía y, especialmente, a Ibn Gabirol, el gran místico judío sefardí (es decir, español), como antes lo estuvo a otro español (andalusí), el llamado por los musulmanes “Maestro Máximo”: Ibn Arabí, nacido en la Murcia islámica del siglo XII. La tarea se ha ido completando estos años con la adaptación de poemas del divino poeta Juan de Yepes (San Juan de la Cruz) y con la grabación de una misa flamenca de gran calidad, así como con un disco de saetas con un recorrido extensísimo por esta familia de cantes. Selomoh ben Yehudah ibn Gabirol fue un filósofo y poeta nacido en Málaga hacia 1021 y muerto en Valencia hacia 1058. A pesar de su temprana muerte, tuvo una vida intensa y azarosa y dejó una gigantesca obra tanto en el campo de la lírica como del pensamiento, influyendo mucho tras su muerte en escritores de la España islámica, en la que vivió, como entre los pensadores cristianos posteriores, especialmente entre los franciscanos. En términos generales los especialistas lo celebran hoy como uno de los genios literarios y filosóficos de la Edad Media española, en ese cruce de caminos religiosos y de culturas que fue la península ibérica entonces. Entre su obra lírica destaca la poesía religiosa, como el Meter Malkut (Corona del reino). En su poesía, entre otras muchas, destaca la composición “El alma lastimada”, objeto de este disco. Como filósofo neoplatónico adquirió celebridad con La fuente de la vida (Fons Vital), escrita originalmente en lengua árabe (y en forma de diálogo) y como moralista tuvo notoriedad La corrección de los caracteres. ![Curro%2BPi%C3%B1ana.jpg]()
DATOS BIOGRAFICOS CURRO PIÑANAComenzó la serie con “De lo humano y lo divino” (1998), basado en poemas del místico sufí Ibn Arabí (siglo XII), seguido por trabajos protagonizados por la tradición cristina, “Misa Flamenca” (2007) con poemas de San Juan de la Cruz y “Saetas” (2007). El cantaor cartagenero es la quinta generación dedicada al flamenco, con Antonio Piñana Segado (1913-1989) como el gran maestro, entre sus últimos discos destaca la extraordinaria “Antología del Cante Minero” (2011) un trabajo monumental y magistral donde reúne los diversos estilos de los “Cantes de Levante” que su abuelo magistralmente dejó ya plasmados a lo largo de su extensa discografía. Ahora, completa la trilogía con la grabación dedicada a la cultura judía en la que Ibn Gabirol (Málaga, 1021 – Valencia, 1058) –el gran místico sefardí– es el protagonista, y donde vuelve a contar con Antonio Parra para la adaptación literaria; le acompañan a la guitarra dos de sus hermanos Antonio y Carlos. Los versos los ha cantado en un amplio registro de palos encontrando el alma flamenca de cada verso con acierto: por fandangos, tarantos, tientos, soléas, malagueñas, bamberas, fandangos naturales, cartageneras, bulerías y tonás. Piñana ha sabido con inteligencia, talento y sensibilidad interpretar los versos para un trabajo único. Un disco muy emocionante de la mano de uno de los artistas flamencos más destacados tanto por herencia como por el trabajo que ha desarrollado en su carrera.
VIDEO: www.youtube.com/watch?v=FmXAHbhZ_yI
Por Miguel Ángel Fernández Borrero*
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Alosno ha ejercido desde siempre una fuerte atracción sobre los aficionados y estudiosos del flamenco y de las tradiciones. Lo merece el riquísimo folclore que tiene. De ahí que cada cierto tiempo antropólogos, folcloristas, musicólogos y medios de comunicación hayan/ hayamos buscado plasmar en imágenes y sonidos las voces que dan vida a ese caudal tan rico. Hay grabaciones de diferentes etapas que dan testimonio de tal interés. Está la de los cantes alosneros registrada en 1962 en "Musik der Alten Welt", dirigida por Hans Stumpf (como en tantas ocasiones, los extranjeros viendo primero que los de casa el valor de lo nuestro). A principios de los años 70 del siglo pasado, la serie de RTVE "Rito y geografía del cante" merodeó también por los fandangos de Huelva en general, incluyendo algunos alosneros. Destacadas, las diversas y muy certeras grabaciones que hizo Garrido Palacios entre los años 70 y 80. Y las más cercanas antologías producidas por Antonio González El Raya, que también recogen voces e imágenes de Alosno, son otras tantas iniciativas que han grabado esa joya, cuya riqueza resaltó Julio Caro Baroja con el ánimo de difundir sus valores musicales y antropológicos. Pues parecida tentación me llevó a pedir la colaboración de algunos amigos alosneros para dejar constancia grabada de cómo se canta hoy. El propósito era algo así como quien, transitando por lo cotidiano de la historia, se suma al camino tomando el relevo, que da como resultado colocar un hito cada cierto trecho dejando constancia para quienes nos procedan. O sea, una comprobación cuasi notarial de que el pulso de algo tan sensible permanece intacto y vigoroso y la constatación, con voces renovadas, de que lo que fue sigue siendo. Una prueba perdurable en el tiempo. Así que, siguiendo esa pauta, buscamos la complicidad del coordinador de Cátedras de Flamenco de las Universidades andaluzas, Rafael Infante, y la de Joaquín Durán, subdirector general de la RTVA. Y con todas las voluntades coordinadas, invitamos al Foro Flamenco de Canal Sur Radio y FlamencoRadio.com a un grupo de alosneros, buenos conocedores del caudal popular de su pueblo y aficionados con arte, que tienen entre sus devociones amar el rico patrimonio del que son recipiendarios y transmisores. Esto es, que se trataba de recoger la música del pueblo cantada y tocada por su gente, procurando reducir al máximo las mediaciones técnicas y ambientales para no desvirtuar la expresión natural de las fiestas y reuniones alosneras. ¡Ya era suficiente licencia ponerlos a cantar en un escenario rodeado de cámaras, micrófonos y luces! "Abstraeros de todo esto-, les pedí. Cantad y tocad entre vosotros, para vosotros. Como si estuvierais en Alosno". Cierto es que, tan familiarizados como estamos a estas parafernales en nuestra sociedad mediática, el grupo escogido lo forman personas acostumbradas a actuar y la adaptación resultó sencilla.
¡Señores, Alosno viene al Foro Flamenco a cantar!
Y expusieron sus cantes más genuinos... Durante casi una hora, fueron desgranando este regalo de sonidos populares, flamenco y protoflamenco, cargados de autenticidad. Noí se repitió nada, no hubo ambiente de estudio de grabación, no faltó calor del público asistente... (Faltó, si acaso, un poco de "aguaillo" para entonar las gargantas). Quien conozca esta joya etnográfica, quien haya vivido un día de San Juan o una noche de Cruces de Mayo o cualquiera otra de sus fiestas, sabe que calificarlo así es una descripción y no un piropo. Alosno es una alhaja en el corazón de esa comarca mágica, rica en tradiciones y cultura popular que es el Andévalo. Un dato revelador: de los veinte bailes folclóricos tradicionales que se mantienen vivos en Andalucía, catorce son andevaleños y dos de la Sierra de Aracena. Es verdad que la secular pobreza de la zona ha actuado como un poderoso conservante para mantener viva e incontaminada tanta diversidad foldórica. Y que la ubicación geográfica extrema de la provincia de Huelva -y más su zona interior- ha obrado históricamente de elemento aislante, conformándola como un fondo de saco, en vez de zona comunicada o de paso, al que expresamente había que ir si se quería algo de ella. Aislamiento, pobreza e incomunicación. Pero no es menos cierto que el amor y el entusiasmo con que los andevaleños protegen lo suyo ha sido también determinante para que, marchando el siglo XXI ya, tengamos en uso y práctica habitual cantos y bailes que se remontan, en algunos casos, a no se sabe cuánto -pero mucho- tiempo atrás. Quizás todos esos factores han imprimido un carácter singular a la comarca andevaleña, un carácter reconcentrado en sí mismo. Por ende, en materia de folclore los alosneros proyectan el suyo hacia dentro y lo comparten entre ellos. Un cierto hermetismo, sí, que no es actitud de soberbia n¡ de ensimismamiento, como con suspicacia observó Juan Gómez Hiraldo, sino de sentirse plenos con lo suyo.
Según dejó sentado el maestro Caro Baraja, el folclore es la ciencia de la tradición que sigue y vive en el presente. Definición que se cumple perfectamente en Alosno, porque cada mes del año, cada fiesta, cada costumbre o acontecimiento social tiene su correlato folclónco. Se puede dibujar el almanaque de un año alosnero por sus cantes y bailes tradicionales. Desde las luminarias de enero a la talla de los quintos, las saetas antiguas de su Semana Santa, las rogativas de lluvia, los romances antiguos,., y la romería de la Rama, las Cruces de Mayo, el baile del pino, el baile de las espadas con flauta y tamboril, los cascabeleros, el fandango parao en la celebración de su patrón San Juan Bautista, el Corpus.., y los cantes de trilla, los villancicos, las seguidillas bíblicas... Sus fandangos. De los creadores alosneros son algo más de la mitad de la numerosa familia de los fandangos de la provincia de Huelva, y parte de los restantes tienen origen o inspiración en los alosneros. Sin temor a equivocarnos, se puede afirmar que Alosno es el pueblo con más rico folclore de toda España. Que sigue y vive en el presente.
Esta es una cualidad sobresaliente: que se trata de un folclore vivo, entendiendo por tal que se practica, que los habitantes del pueblo lo conocen y lo ejercitan con fluidez y frescura en las ocasiones apropiadas. Esto es bien distinto de ese peregrinaje que algunos conservacionistas practican yendo al rescate de la memoria de una anciana que, con voz temblorosa y sin facultades, esboza la letra de un romance antiguo que sólo ella sabe y que, de no aprehenderlo pronto, se perderá. No; el folclore vivo es vigente y se comparte. Y se cuida con mimo para mantenerlo, como se hace en Alosno, donde encontramos garantizado el relevo en docenas de niños aprendiendo a tocar la guitarra, a cantar, a practicar los bailes y las danzas que marcan sus tradiciones. Este ejemplo es ilustrativo: los talleres que el ayuntamiento viene convocando cada año para mantener estimulado el interés de niños y mayores: aprendizaje de guitarra alosnera, de octubre a junio, desde los 10 años; escuela de fandangos y recuperación de música, de octubre a junio, a partir de los 5 años; flauta y tamboril, de abril a junio, para todas las edades; danza de los cascabeleros, abril y mayo, desde los í años. Un pueblo que se preocupa de este modo por mantener sus tradiciones, tiene asegurada la continuidad de su memoria colectiva. Pregúntele a cualquier vecino alosnero por el fandango cañé y se lo tarareará. Pídale que le diga la letra de un fandango o de una copla y le dirá un ramillete entero. Letras que hablan de los amores, de las faenas agrarias, de la caza, de la Biblia y sus personajes, de historias antiguas, de los sentimientos universales.., transpirando una filosofía lúcida y sencilla que suele reflexionar de manera sentenciosa sobre la vida y la explica desde la sabiduría popular como el mejor de los tratados. Letras que hablan de la gente, de las cosas que pasan en los pueblos y en los campos, en las minas y en los corazones... Amalgama de paisajes, paisanajes y circunstancias que constituyen la personalidad general del andevaleño y de ese milagro superviviente, refractario a las modas foráneas, que es concretamente el Alosno. ¡Esa es su fuerza y su vigencia: que está vivo, insisto! Coplas y cantes incontaminados, puros, compartidos por los alosneros y por quienes los visitan en sus fiestas, porque en ese pueblo nadie de buena voluntad es forastero, doy fe. El alosnero ha sido tradicionalmente negociante, gestor, comerciante de mercaderías por el mundo cuando el mundo era la lejanía y la aventura. En el siglo XIX, algunos alosneros tuvieron en sus manos casi el monopolio del café, azúcar y bacalao de España... De aquí procedía Machado Núñez, que fue presidente de la república de Guatemala en el siglo XIX... Bórrenos de apellido (todos los Borraros de Huelva tienen su origen en Alosno, me aseguró una experta en genealogía sefardí], que marcharon allá cuando se hacían las Américas y que [legaron a desempeñar puestos y cargos relevantes en otros países del nuevo continente... Y, por la primera década del siglo pasado, los alosneros gestionaron la recaudación de los consumos de todo el país, cuando el gobierno de Canalejas. Gente de mundo. Pero su folclore y sus fiestas, sus diversiones pertenecen al ámbito privado de su espíritu y son cosa aparte. Los alosneros están orgullosos de lo que tienen -cómo no- y, sin embargo, no hacen alarde de su tesoro ni especulan con él. Lo practican y te invitan a participar. Es su idiosincracia. El fandango se hizo creación flamenca adulta en Alosno, se generó allí a finales del siglo XIX y primer tercio del XX, con una serie de estilos que crearon hijos suyos y que hoy conocemos nominados como sus autores (de Marcos Jiménez, de Juan María Blanco, de la Juana María la de Felipe Julián) y con otros de autores desconocidos, que se siguen cantando y que constituyen el grupo de los que Santiago Salguero llama los 'fandangos huérfanos'. [Puede que haya tantos fandangos de autores desconocidos como de creadores identificados).
El interés cuasi académico con que se abordan los cantes hoy en día se ha asentado también para el amplio repertorio fandanguero huelvano. Importa mucho y resulta casi una exhibición erudita identificar lo que se canta o se escucha. Que está bien esta enseñanza -no le pongo objeciones-, porque genera respeto para los diferentes estilos, ayuda a su conservación y a evitar las mescolanzas de atrevidos ignorantes. Sólo que con tanto énfasis nominalista se acaba a veces interesándose más por las formas en que se ejecuta el cante que por las emociones que ese cante transmite. Nada en exceso, rezaba una leyenda en el frontispicio del templo de los dioses griegos, en el Monte Olimpo. Los excesos pendulares, tan pródigos en las modas temporales del flamenco. Viene a cuento decirlo, en fin, porque esto no siempre fue así. En mi memoria de niño andevaleño aficionado guardo detalles de aquellas reuniones en las que, después de cantar lo más diverso que viniera a mano [coplas, sevillanas, fandangos personales o estilos de Huelva], alguien de los gue mejor cantara en el grupo se acercaba al hombro del 'guitarrero' y le decía "toca por Alosno". El tocaor ponía la cejilla en el tres del mástil, comenzaba a rasguear en LA mayor y el ambiente de la reunión se convertía en otra cosa, mucho más solemne y comprometida, más para iniciados. ¡Dale por Alosno, vamos por Alosno! Y brotaban de las gargantas fandangos bravíos, recios, austeros y por derecho. Y con un punto de chulería, el que pudiera permitírsela: escúchese al Paco Toronjo de los años 60, vean sus videos y comprobarán lo que digo. Por supuesto, siempre a compás, que es el frontón inexpugnable, la prueba del nueve con la que se dan de bruces aquellos foráneos que no consiguen cogerle el aire, el 'dejillo' a los cantes de Huelva, Alosno incluido. Dice el eminente Juan Peña El Lebrijano, reconociendo que él lo tiene como asignatura pendiente, gue si todavía no se han llegado a conocer y a valorar bien los cantes huelvanos ha sido porque "los artistas -los de fuera- somos un poco cortitos". El compás debe guardarse desde el primer tercio hasta el remate. Y el aire. ¡Ay, amigos, el aire..! ¿Qué tendrá? Sobran dedos de una mano si buscamos artistas foráneos que consigan captar ese estilo inefable... No todo el mundo sabe cantar bien en Alosno, claro está; pero todo el que lo hace sabe darle su aire. Cantaores y "cavaeras", compañeros fieles en las fiestas y hacedores de bellas armonías. Voces, instrumentos... y el aire que los identifica. Sutilezas del arte. Nuestros amigos alosneros que participaron en el Foro Flamenco, ya se dijo, no se dedican profesionalmente a ganarse la vida con sus cantes o sus guitarras, aunque algunos de ellos han tenido experiencias en grabaciones. Ellos son músicos populares, puntales firmes de las tradiciones de su gente. Actuaron para dejar constancia de cómo canta ese pueblo, de toda la historia que Íes precede y de los nombres y las obras de su pasado que evocan: el sublime Paco Toronjo cuya sombra todo lo cubre, pero también Marcos Jiménez, Antonio Abad, Juan María Blanco, La Conejilla, la Juana María, Bartolo el de la Tomasa... Los guitarreros Bartolomé El Pinche, Juan Díaz, Sebastián Perolino... Y, claro está, los del tiempo actual: Santiago Salguero, Plácido González, Leonor Díaz, el Niño del Laúd, los de ¡Vive Alosno!.. Orgullosos de su ayer, reafirmados en el hoy, sembradores del mañana. La cadena no se interrumpe. Un pueblo que tantas veces cada año tiene motivos lúdicos para reunirse a cantar y bailar es un grupo humano que fortalece constantemente la musculatura de su identidad y que la reafirma para sí y para sus descendientes. Había que denominar a este grupo, y le sugerí a Ramón Jesús -¡qué generoso y qué cabal eres, amigo!- el nombre de ¡'Vive Alosno!, entre admiraciones, porque no se me ocurre otra manera de valorarlos que con admiración, entre admiraciones. 'Vive' porque su folclore está bien vivo, no es un fósil que se desempolva para la fiesta de ocasión, sino que disfruta de una vitalidad duradera...Y 'vive', como una invitación a que vayas y lo disfrutes y lo vivas con ellos, porque será una experiencia para el resto de tu vida: esas rondas de doce, quince grupos de guitarreros y gente cantando por las calles durante toda la madrugada, de cola en cola de las Cruces de Mayo, mientras la luna observa desde lo alto del cielo y los campos avientan hacia el pueblo un aroma de sembrados entrando en sazón y del ládano de ios jarales... ¡Esas sensaciones tan mágicas de la madrugada colectiva alosnera que son inolvidables! Lugar de encuentro entre personas en su habitat natural, divirtiéndose. ¡Vaya liturgia civil más hermosa! Las guitarras de nuestros amigos Ramón Jesús Díaz, Silvestre Morón y Pepe Carrera, y los cantes de Juan Fernando González, Pedro Juan Hacías y Antonio Rastrojo hicieron un recorrido por todos los estilos de fandangos alosneros, por sus seguidillas y por sus coplas de quintos. Lo que escuchamos en el Foro fue la verdad de los cantes y toques alosneros como los canta el pueblo. Fue justamente lo que los alosneros esenciales entienden y valoran como suyo. Hay estudios que enumeran una serie de estilos de fandangos entre los que aparecen nombres que los alosneros entendidos no consideran sino versiones de otros existentes, estilos sin bases sólidas para darle tal categoría e, incluso, meras invenciones. Son ellos, los alosneros de ¡Vive Alosno!, quienes sitúan el canon de sus cantes por fandangos y así se ha respetado. Están todos los fandangos de autores conocidos y otros antiguos y populares.
Convinimos la necesidad de un rol que evite anarquías y confiera respeto a los creadores en una materia tan plural, resbaladiza e interpretable como es el territorio del fandango. Bien; pues sin ánimo de pontificar, la relación de fandangos incluidos en esta obra aspira a ser una referencia cualificada para quienes quieran conocer cómo son cada uno de los estilos alosneros, cómo ejecutarlos ya percibir su aire genuino. Las letras que se cantan en esta obra pertenecen en su inmensa mayoría a autores alosneros o son populares de autores desconocidos. Se ha puesto especial interés en reflejar las que son más conocidas e identificabas con el Alosno. La primera tanda de fandangos comprende los estilos de Bartolo el de la Tomasa, uno de los más bellos y frescos de todo el repertorio alosnero; e[ poderoso fandango de Marcos Jiménez, don Marcos para el común de los alosneros por su relieve y su ascendiente, un fandango el suyo que tanto parecido tiene con el cané; el de Antonio Abad, un fandango con una personalidad muy definida y bien diferente de otros estilos; el de Juana o María la Conejilla, una creación muy musical de una alosnera de los muchos que hubieron de salir de su pueblo para ganarse la vida, si bien que siempre conservó el aire; y un fandango corrió sin autor identificado. Otro bloque de fandangos es el formado por los estilos de Paquillo el de las Partes, que canta en la grabación del documental en blanco y negro de Hans Stumpf, de 1962; el fandango de Manolillo el Acalmao, hermano de Juan María Blanco, con el distintivo de su tercio redoblao; fandango de Paco Toronjo y fandango valiente, más el estilo atribuido a Diego Perrengue y otro fandango valiente. Una tercera tanda de seis fandangos está integrada por uno valiente antiguo, otro fandango antiguo, un fandango valiente como lo cantaba Pepe Toronjo, otro fandango valiente de otra factura, el estilo de Juan María Blanco y el valiente como lo cantaba Paco Toronjo. La cuarta comprende dos fandangos antiguos, de autores desconocidos y el estilo de Juana María la de Felipe Julián. Y la quinta entrega es la de los canés. El fandango cané es el que se canta en grupo. No se conoce un autor cierto, aunque lo más probable es que el autor sea todo el grupo que canta, que lo hace coral, mecido y en tono más grave hasta el tercio final. El cané es el fandango para cantar a coro, para participar todos en la fiesta, los que cantan mejor y los que cantan peor. La celebración colectiva. Es el fandango que cierra, la firma cantaora de todo el grupo. Aquí, los tres cantaores y las tres guitarras cantan el cané alto, el estribillo "vente al Alosno, niña..." y rematan con el cané bajo. Hay cuatro bloques de seguidillas, dos alosneras, unas bíblicas y unas punteas. La seguidilla es una estrofa de la poesía popular castellana, que llevaba acompañamiento de baile y que tuvo formas diversas: corraleras, sevillanas, rocieras, alosneras.., hasta que todas ellas terminaron aglutinándose bajo el nombre de sevillanas. Que parecen lo mismo, pero no lo son. Las punteas es tradición tocarlas en la colas de las Cruces de Mayo. Las bíblicas, que fueron la fuente de donde manaron las sevillanas actuales, son seguidillas cuyas letras fueron compuestas por personas cuitas y del ámbito religioso de una época pasada y que evocan hechos y personajes bíblicos, principalmente del Antiguo Testamento. Los primeros que las grabaron fueron los Hermanos Toronjo. En Alosno se cantan tradicionalmente tres letras en cada bloque de seguidillas. Y las Coplas de quintos, aquellas que se cantaban en la celebración de la talla de los jóvenes que se sorteaban para ir al servicio militar. En tiempos del rey Carlos III, en la recluta de mozos para servir en el ejército, se escogía uno de cada cinco mozos aptos: de ahí lo de "los quintos". "Si te toca te jodes / que te tienes que ir / a soltar la piqueta / y coger el fusil"... Las que se cantan en El Cerro de Andévalo tienen la misma estructura, las mismas o similares letras pero presentan ligeras variantes en la ejecución musical. En la actualidad, la talla de los quintos ya no se realiza porque el servicio militar ha dejado de ser obligatorio. Aunque han perdido el motivo por el que se cantaban, las coplas de quintos mantienen toda la belleza de su musicalidad. Predispóngase a escuchar algo auténtico, una manifestación que sale de la calle, del pueblo en fiesta. Esta es la expresión medular de unos sonidos que surgen de la memoria antigua y de la emoción de su gente. * Miguel Ángel Fernández Borrero es Director del Foro Flamenco de Canal Sur Radio y FlamencoRadio.com
La grabación que figura en este CD se realizó durante la actuación del grupo ¡Vive Alosno!, celebrada en el Foro Flamenco de Canal Sur Radio y FlamencoRadio. com el día 18 de junio de 2014, en el plató de la sede de la RTVA en La Cartuja, Sevilla. La mezcla y masterízación se completó en los estudios de grabación de La Voz del Flamenco S.L El diseño gráfico fue realizado por Arturo Benjumeda. Foto de portada: Cruz de Mayo de la calle Santos, de Alosno.
‘Sinergia’, el nuevo disco de la cantaora onubense Argentina, sale al mercado
La cantaora presenta una selección en directo de su obra nominada a los Latin Grammy 2013 'Un Viaje por el Cante' de nueve cantes de flamenco y de otras piezas musicales ‘Sinergia’, el nuevo disco de la cantaora onubense Argentina, sale al mercado, y es un trabajo que tiene como característica principal el haber sido grabado en directo.
Así, se compone de un doble CD y de un DVD y sale a la venta en formato físico en las grandes superficies y tiendas especializadas de toda España, y al mismo tiempo también verá la luz digitalmente en todas las plataformas habituales en Internet, en ambos casos verán el resultado final de un trabajo “muy deseado y esperado” por la cantaora. En ‘Sinergia’, Argentina presenta una selección en directo de su obra nominada a los Latin Grammy 2013 ‘Un Viaje por el Cante’ (publicado en septiembre de 2012), de nueve cantes de flamenco inéditos discográficamente hablando en su carrera y de otras piezas musicales. La cantaora onubense Argentina tuvo una cita muy especial en su agenda el pasado 3 de noviembre en la ciudad de Nueva York ya que se presentó por primera vez con gran éxito en la Gran Manzana y lo hizo como continuidad a su gira y a su fulgurante gran trayectoria de los últimos años, que “la están convirtiendo en un referente del mundo del flamenco”. El 16 de noviembre presentó en una premier su nueva obra ‘Sinergia’, dentro del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva. El nuevo trabajo contiene un DVD además del doble CD, lo que dio sentido a la presentación del nuevo trabajo de la cantaora en el prestigioso festival cinematográfico latinoamericano.
Su gira y promoción continuará con mucha intensidad a principios de 2015 con conciertos en el Teatro Romea de Murcia, Úbeda, Barcelona, Madrid, Málaga, entre otras fechas que ya irá comunicando la artista en su página web www.argentinaweb.es.
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José Antonio Martín Yáñez, Salao
«A Salao no se le oye. Se le sigue la voz como se sigue el vuelo de un aguila», observa Javier Pérez Andújar, escritor barcelonés, en la carpeta del nuevo disco de este cantaor, ‘Jara en el camino’ (Taller de Músics, 2014). En efecto, Salao es imprevisible, radicalmente espontaneo, y por ello mismo intensamente sabio. Nunca se sabe como o por donde saldrá. A veces, el guitarrista le repite una y otra vez la entrada del cante. Salao, mientras, calla y se concentra en si mismo. Hasta que arranca. El silencio, entre la intuición y la reflexión, antes que el cante en su proyección. En él, este es un gesto de modestia y a la vez de sabiduría. Porque cuando Salao se arranca y canta, siempre sorprende. A quienes saben de cantes y a quienes con él descubren los cantes. «Salao abre la boca y se hace un silencio en la sala», escribió el mismo Javier Pérez Andújar en el artículo que le dedicó en el diario El Pais, el domingo 21 de noviembre de 2010. No por conocido, sobre todo en Barcelona, deja de ser fascinante, y no sólo por lo dramático. Las salas de Salao van desde las peñas y los tablaos a los grandes escenarios, y más aún la intimidad de su casa, donde debe cantar para sí mismo y, cosa no menos sensible, sin duda escucha mucho flamenco, y lo estudia. En sus silencios, Salao también es muy sabio. Por imprevisible, y no sólo por ello creativo, Salao admira al guitarrista Juan Ramón Caro, que tan pronto toca para aficionados en peñas como acompaña a Mayte Martín, de quien es su guitarrista habitual, o le tocó a Poveda cuando éste ganó la Lámpara Minera en La Unión. «Salao es uno de los mejores cantaores con los que cuenta el flamenco», dice de él Juan Ramón Caro, que también tocó para Enrique Morente y muchas más de las grandes figuras del género. La afinidad entre ambos, afianzada en infinidad de actuaciones, debería ser histórica. Hoy por hoy, y a pesar de llevar más de tres décadas como cantaor profesional, Salao no es tan conocido fuera de Catalunya como merecería. Su nuevo disco, con el toque de Juan Gómez, Chicuelo, y las colaboraciones de veinte músicos, deberá trascender fronteras. Pero a Salao, con Juan Ramón Caro al toque, hay que disfrutarlo también en la distancia corta, donde según su inspiración puede sorprender a media voz, siempre con un compás infalible, o bien alcanzar registros inauditos, o hasta transmitir al público incluso en sus silencios. Para El Dorado, Sociedad Flamenca Barcelonesa, siempre será un placer presentar a Salao. Aquí cantó hace ahora justo cuatro años. Y mayor será el gusto ahora, cuando el cantaor se encuentra en un momento especialmente dulce de su sólida, intensa y entrañable trayectoria.
DE FLAMENCO Y OTRAS MÚSICAS
SE PRESENTA “PLATERO Y NOSOTROS”, UN DISCO INSPIRADO EN EL LIBRO DE JUAN RAMÓN JIMÉNEZ “PLATERO Y YO”
Grandes de la música flamenca como Carmen Linares, Argentina o Arcángel se unen para poner voz a Platero y yo en un disco producido por Jesús Cayuela y Fran Báñez, que ha patrocinado el Ayuntamiento de Moguer. Este trabajo discográfico editado como colofón al centenario, será presentado el miércoles, 10 de diciembre en el Teatro Felipe Godínez de Moguer.
El mundo de la música se rinde a la grandeza de la “elejía andaluza” en el centenario de su primera edición, con la publicación de un disco que reúne a grandes artistas nacionales e internacionales en torno a una obra que después de un siglo de vida sigue emocionado a lectores de todo el mundo. Bajo el nombre de ‘Platero y nosotros’ nace esta gran producción en la que artistas de la talla de Carmen Linares, Argentina, Arcángel, Flaco Domínguez, Vicky Luna o la Orquesta Sinfónica de Bratislava ponen voz a la prosa poética del Nobel moguereño Juan Ramón Jiménez, interpretando capítulos como ‘El loco’, ‘Darbón’, ‘Amistad’ o ‘La Arrulladora’, hasta completar un total de 11 temas, de los que 10 están musicados y uno recitado por el director de la Fundación Zenobia Juan Ramón Jiménez, Antonio Ramírez. En este nuevo disco en el que se fusionan la universalidad de la literatura y de la música, se transmiten los mensajes contenidos en una obra, que además de la belleza y emoción de su prosa, tiene sin duda una gran carga de denuncia social frente a la desigualdad existente en un país que, como decía el propio poeta, necesitaba urgentemente una regeneración de sus valores y planteamientos. El objetivo de este proyecto es sacar a Platero y yo a la calle a través de distintos estilos musicales que van desde el flamenco a la música sinfónica pasando por el rock o el hip-hop, para llevar a la población ese mensaje de compromiso social y contribuir a la proyección y puesta en valor de este Año Platero dedicado a uno de los libros que más ha aportado a la literatura universal en habla hispana. Gracias a la implicación y al generoso esfuerzo de los productores Jesús Cayuela y Fran Báñez, y al patrocinio del Ayuntamiento de Moguer, sale a la luz este gran proyecto discográfico, que será presentado en el Teatro Felipe Godínez el día 10 de diciembre, con la participación de muchos de los grandes artistas que llenan de prestigio este “Platero y nosotros”.
“David de Jacoba, EL CANTAOR QUE ACOMPAÑÓ A PACO DE LUCIA EN SUS DOS ÚLTIMAS GIRAS, presenta su primer disco”
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El disco cuenta con múltiples colaboraciones, entre las que se encuentran las de Paco de Lucía, Raimundo Amador, Vicente Amigo, Jesús del Rosario, Pepe Habichuela, Paquete (Barbería del Sur) entre otros.
David de Jacoba nació y creció en Motril (Granada). Bastaría poner en el inicio de su currículum que ha formado parte de la formación que giró durante los dos últimos años con Paco de Lucía (y repetiría en 2015) para convencer a los escépticos y a los profanos. Su elección no ha sido por un capricho del maestro. David posee una voz exclusiva, propia, diferente... Dicen los que saben que posee un timbre recio y firme, aterciopelado. Un instrumento, su voz, que vuelve a tomar todo el protagonismo en su espectáculo flamenco: Jubileo y en la edición del disco que está entre tus manos. Junto a Isaac de los Reyes (bailaor), Carlos de Jacoba (guitarra) y Lucky Losada (percusión), David de Jacoba emprende una carrera en solitario desde las raíces, en todos los sentidos. Desde abajo, desde la humildad y el respeto a sus mayores, poniendo en valor el cante, que asume su rol protagonista, con la instrumentación a su servicio. Es tiempo para todos de mirar hacia atrás y purgar los pecados, es tiempo de Jubileo, una tradición bíblica del antiguo Israel. Jubileo procede del término latino iubilaeus, que a su vez viene de iubilum, que significa gozo, alegría desbordante. El iubilaeus es, por tanto, un acontecimiento gozoso, algo que también persigue Jacoba, recuperar el placer de la pureza, de la verdad. El jubileo se celebraba al cumplirse siete semanas de años, (7x7=49), en el año 50 se dejaba descansar la tierra, se liberaba a los esclavos, los israelitas recuperaban la propiedad vendida, especialmente las tierras, cada familia recupera su propiedad ancestral, y con ella la posibilidad de comenzar de nuevo, se perdonan las deudas. Quizás sea tiempo de aplicar la ley jubilar al flamenco, empezar de nuevo, de perdonar y hacer las cosas como Dios manda. En eso anda David de Jacoba. Su disco se ha grabado en el mítico Estudio Uno, antiguo CineArte, donde grabaron Paco de Lucía, Camarón, Tomatito, Ketama o el Omega de Enrique Morente; y en su directo, aborda con igual entereza y maestría tangos, alegrías, bulerías, soleá, cantes mineros o la siguiriya, un palo en el que se encuentra muy cómodo. El disco, que se titula también Jubileo, cuenta con múltiples colaboraciones, entre las que se encuentran las de Paco de Lucía, Pakete (Barbería del Sur), Pepe Habichuela, Vicente Amigo, Juan Yares, Carmen Talegona, Lucía Otero, Vaky Losada, Iván Losada, Jesús del Rosario, Raimundo Amador… David de Jacoba
Llegó a Madrid en el año 2008 y empezó a trabajar directamente con alguno de los mas grandes: Niño Josele, El Guito, Joaquín Cortés, hasta que fue reclamado por el Maestro Enrique Morente para el espectáculo Fedra, dirigido por Miguel Narro. También formó parte del sexteto de Tomatito en 2009. A partir del 2010, se convierte en parte estable del grupo de Paco de Lucía, actuando en los escenarios más prestigiosos del mundo, actividad que conjuga con otros proyectos paralelos y actuaciones en solitario.
Aunque se siente especialmente cómodo en lo más puro del cante ortodoxo, ha coqueteado con primeras figuras del latin jazz como Giovanni Hidalgo, Jerry González, Alain Pérez o Caramelo, aportando su rotunda voz a la musicalidad de estos últimos. En estos momentos edita su primer proyecto discográfico, producido por Lucky Losada y Carlos de Jacoba, que también forman parte del elenco que defenderá el repertorio del disco en directo. CARLOS DE JACOBA. Joven guitarrista de Motril, comienza a abrirse camino en el flamenco gracias sus excelentes cualidades como tocaor. Destaca en su faceta de acompañamiento al cante y ha trabajado con importantes artistas como Duquende, Guadiana, Ramón el Portugués, Diego el Cigala, Chano Lobato, Rancapino, Fernando de la Morena, Chonchi Heredia, Montse Cortés, Antonio Canales, Rafael Amargo, José Maya o María Juncal, entre otros. LUCKY LOSADA. Nace en Madrid en el seno de una familia de grandes artistas del que destacan su tío el Vaky;su hermano Iván Losada; y su padre, Tito Losada, la figura que más ha aportado a su trayectoria musical.Con 14 años se decanta por la percusión especializándose muy pronto en el cajón flamenco. Acompaña a figuras importantes del baile y el cante: Antonio Canales , Enrique Morente, Tomatito, Duquende, Guadiana, Pepe Luis Carmona...
ISAAC DE LOS REYES. Hijo de bailaores y coreógrafos, debutó a los 13 años como solista en el teatro de la danza de Luisillo.Ha compartido cartel con artistas como Belén Maya, Javier Barón, El Pipa y La Tati. Ha bailado como solista en las compañías de Manolete, El Guito, Joaquín Grilo, Rafael Aguilar, Carmen Cortés, Gerardo Núñez, Antonio Canales y Enrique Morente.En 2001 creó su propia compañía. En la actualidad es miembro de la compañía de Antonio Gades y acompaña a David de Jacoba en su espectáculo Jubileo al baile.
“EN TIEMPO Y FORMA” primer disco en solitario PACO JAVIER JIMENO
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De PACO JAVIER JIMENO sobran los elogios pues, pese a su juventud, atesora un palmarés del que muy pocos pueden presumir. Es uno de los guitarristas flamencos más premiados de la actualidad. En sus vitrinas tiene algunos de los galardones más importantes que reconocen a los mejores: Premio “El Madroñero” de Montellano (Sevilla), Primer Premio en el II Concurso de Jóvenes Intérpretes Flamencos de la Bienal de Flamenco (Sevilla), Primer Premio Internacional de Guitarra Flamenca en Nimes (Francia), Premio “Manolo de Huelva” del XIV Concurso Nacional de Córdoba y Premio “Bordón Minero” del XXXV Festival Nacional del Cante de las Minas. Sus primeras creaciones aparecen en el CD “A la guitarra Estepona” (1994) en el que encontramos dos temas propios: “Mar de Levante” y “Mi guitarra”.Solo sobre el proscenio o en compañía del cante o del baile, es un guitarrista espectacular, con una depurada y exquisita técnica que pone al servicio propio y de los artistas que acompaña. En plena madurez artística, ha crecido mucho como músico y está consiguiendo unas formas uniquitas que basa en la expresión y en su emocionante capacidad de transmisión, cualidades que hacen de él un artista con marcada personalidad, pues bebiendo en las mejores fuentes ha consolidado una estética flamenca que lo hace ser distinto a los demás. Hoy, como ayer, el mundo de la guitarra flamenca está difícil, pero tocar con personalidad ayuda a ser mayoritariamente reconocido. “EN TIEMPO Y FORMA” es su primer disco en solitario. Toda la obra es de una belleza musical inusual por su plasticidad y su encanto. Por su contundencia flamenca y su redondez musical. En ella, el orgullo caliente de la madera vieja, la guitarra de Paco Javier Jimeno, nos regala una música nueva, una manera novedosa de reinterpretarla, en la que juega con la forma y con el tiempo, con el ritmo y con la armonía, para ofrecer un concepto personal, distinto por tanto, de la música flamenca. Es el sello propio de uno de los mejores guitarristas de su generación. "UN HOMENAJE A SUS HERMANOS POR UN MAESTRO FLAMENCO" Siempre se ha dicho que no hay mal que por bien no venga. A mí me ha pasado en la grabación. Este trabajo está terminado por mi parte desde antes de comienzos de verano del 2012 pero por circunstancias ajenas a mí no ha podido salir hasta estas fechas. Ese paréntesis de tiempo me ha venido muy bien porque he podido grabar esta Malagueña del Caribe, que por no conocerla cuando hice la grabación de las 47 Malagueñas, no pude incluirla en este trabajo, pero gracias a un buen amigo y colosal aficionado como es Luis Soler Guevara que me la facilitó y además me animó a grabarla, hoy me alegro de este retraso. La malagueña en cuestión fue grabada en por el Niño de Cabra, en el 1899 por la Señora García, en el 1908 por el Señor Revuelta y en el 1912 por Paca Aguilera y, según tengo entendido, no se ha vuelto a grabar hasta ahora.
Nuevamente mi entrañable y admirado amigo Diego Clavel, nos ha sorprendido con esta importante y enciclopédica grabación de cante flamenco. Yo creía que Diego no iba a realizar más grabaciones de nuestro arte, dadas las circunstancias actuales en ¡as que éste se encuentra y donde sólo se impone lo vulgar, lo comercial, lo adulterado, y sobre todo, el olvido y la postergación para todo aquel que haya sido santo y seña de nuestro arte flamenco. Algo muy importante ha tenido que ocurrir para que Diego rompa su silencio y saque a relucir todo lo que lleva dentro y poderlo ofrecer así a los pocos aficionados que todavía quedan.
Par mí, que el título de la obra lo dice todo: " A mis hermanos". Los sentimientos de Diego hacia ellos fueron intensísimos. Para él lo significaban todo; "Lolo" fue su padre, su hermano, su consejero y su amigo, y a José María "El Chico" lo quería entrañablemente. Estas han sido las razones por las que Diego se ha volcado en este proyecto y poderlo ofrecer así a ellos. Y si analizamos detenidamente la obra vemos cómo en todos los cantes se imponen el sentimiento, el dolor y la pena que Diego llevaba y lleva dentro.
Juan Talega decía que para cantar bien había que doler, y que no se explicaba cómo las gentes iban al cante a divertirse, con lo que el cante dolía. Este dolor y sentimiento son los que nos ha ofrecido Diego en esta importante grabación, ya qe él, como todos sabemos, funciona a golpes de corazón, y sabe transmitir lo que
siente y lo que lleva en su interior.
En un extenso recorrido- alboreá, peteneras, bamberas, guajiras, romances y un largo etcétera-, Diego ha puesto todo su corazón y su alma en la realización de la obra. Es encomiable también su labor de rescate de los "cantes de trilla", como homenaje al carácter agrícola y ganadero de nuestro pueblo, y a los que interpreta con sello propio y gran flamenquería. Como siempre, hasta las letras, en su desmedido afán por no dejar nada al azar, son frutos de su propia cosecha.
Para completar la obra le acompañan a la guitarra Antonio Carrión y Manolo Herrera, figuras portentosa en este arte e incomparables en el acompañamiento al cante y en el toque para cantar.
Todos estos artistas y circunstancias han sabido dar vida a la realización de este gran trabajo, para sorpresa y disfrute de los amantes de nuestro arte. Así que, Diego, nuevamente mi felicitación y mi más profundo agradecimiento por tan importante labor y gran legado artístico.
Antonio Reina Gómez. Enero de 2014
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"BENDITO", NUEVO DISCO DE BLAS CÓRDOBA Y CHANO DOMÍNGUEZ
Me siento muy agradecido por el cariño con el que habéis trabajado conmigo, lo bien que lo he pasado disfrutando de vuestro arte, doy las gracias a todos y cada uno de vosotros, que Dios os de luz en esta vida y en la otra. Un gran abrazo para todos.
Chano Domínguez dice de Blas: “Creo que Blas Córdoba es uno de los cantaores del siglo XXI que ha comprendido mejor el desarrollo que el flamenco ha tenido en las últimas décadas”. -Hay que destacar que es la primera vez que Chano Domínguez hace labores de Productor para otro artista. -Blas Córdoba pone la voz y su “Kejío” para engrandecer la música de Chano -Blas Córdoba plasma en este disco, 15 años de colaboración con Chano Domínguez. -Un disco flamenco que define la personalidad de este gran artista, que se rebela como un gran compositor. -Con las Colaboraciones de: Carles Benavent, Marc Miralta, Agustín Carbonell “El bola”, Kike Perdomo, Mario Rossi, Israel Suárez “Piraña”, Jordi Bonell.
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CHANO DOMINGUEZ nace en Cádiz el 29 de marzo de 1960. Su primer contacto con la música le llega a través de su padre, un gran aficionado al flamenco. A los ocho años, sus padres le regalan su primer instrumento, una guitarra flamenca. De este modo pudo practicar, de forma autodidacta, todo aquello que había escuchado en los discos de música flamenca de su padre, para luego tocar con los amigos del barrio.A los doce años entra en contacto con las teclas, ya que entra a forma parte del coro de su parroquia y, a escondidas, toca el viejo órgano de fuelles de la iglesia. Poco más tarde, conquistado por el sonido del piano, empieza a tocar en grupos de música folklórica y comercial. Con la mayoría de edad, llega su primer grupo, CAI, con el que empieza a hacer sus primeras composiciones y con el que graba su primer disco: Más allá de nuestras mentes diminutas (CBS). CAI graba un total de tres discos con la compañía discográfica CBS y se convierte en uno de los máximos exponentes del movimiento musical denominado “rock andaluz”. El grupo se disuelve en 1981 y Chano se acerca cada vez con más fuerza al jazz.
La década de los 80 nos trae a un Chano Domínguez con un talento y un estilo propios que presagian un futuro brillante. Su salto al panorama jazzístico internacional llega gracias a su trabajo con el mítico grupo Hiscádix, con quien toca en el Festival Internacional de la U.E.R. en Suecia,ganador de la Primera Muestra Internacional para Jóvenes Intérpretes, celebrada en Palma de Mallorca en 1986. En 1988 realiza una gira por Alemania y al año siguiente por Bélgica. En 1990 es finalista del Concurso Internacional de Piano Martial Solal, celebrado en París.
Mientras en España es solicitado en los principales festivales de Jazz (Sevilla, Madrid, Terrassa, etc), su personalísimo discurso musical es elogiado por músicos de la talla de Richie Beirach, Bill Dobbins, Joe Henderson y Kenny Werner, con quienes ha estudiado en distintos seminarios.
En 1992 forma su propio trío: Chano Domínguez Trío. En su mente surge la idea de fusionar los ritmos del flamenco (alegrías, soleás y bulerías) con las formas musicales del jazz. Ese mismo año, obtiene por unanimidad del jurado, el Primer Premio en la Muestra Nacional de Jazz para Jóvenes Intérpretes de Ibiza. Impulsado por este reconocimiento profesional a su trayectoria y a su personal concepto del jazz y del flamenco, el pianista gaditano edita su primer trabajo en solitario, Chano (Nuba Records). En este trabajo le acompaña su trío, compuesto por el excepcional contrabajista Javier Colina y el también genial batería Guillermo McGill. Este disco cuenta con la colaboración especial de los célebres músicos Jorge Pardo, El Bola y Carles Benavent, entre otros. En 1994, realiza junto a Jorge Pardo, 10 de Paco, basado en composiciones del guitarrista andaluz Paco de Lucía. Ese mismo año es invitado por el grupo Presuntos Implicados a participar en el álbum La Noche. En 1996, vuelve a la primera línea del panorama musical español con el trabajo Hecho a mano (Nuba Records), que supone un avance firme y maduro dentro de su característico discurso de jazz-flamenco. La prensa especializada califica este disco como una obra inteligente, delirante y excelente. El lenguaje mestizo de Chano ha crecido a pasos agigantados y lo convierte en uno de los máximos exponentes del jazz nacional. 1997 es un año cargado de proyectos: graba junto a Martirio Coplas de Madrugá (El Europeo), un trabajo que recopila algunos de los temas más importantes de la canción popular española y los trata con la estética genuina del trío jazzístico. También compone la banda sonora de la película Siempre hay un camino a la derecha, del director José Luis García Sánchez. La SGAE le solicita ese mismo año para representar a la música con raíces latinas en el Midem, celebrado en Miami, donde ofrece un concierto a dúo de piano junto a Michel Camilo. En diciembre se edita el disco En Directo. Piano solo (Nuba Records), grabado en directo en el Café Central de Madrid, trabajo en que incluye composiciones propias y standards españoles y americanos. A principios de 1998 es solicitado por Ana Belén para componer, arreglar y producir el álbum Lorquiana, en el que Chano Domínguez revisa los temas populares que Federico García Lorca recopiló y dejó plasmados en un documento sonoro junta a La Argentinita. Realiza la gira Son Cubano & Flamenco junto a Gonzalo Rubalcaba y participa en los Festivales Internacionales de China, Colombia, Alemania, Argentina y Cuba, en el Festival Jazz Plaza 98 de La Habana, al cual es invitado por la SGAE y la Fundación Autor. La revista Cuadernos de Jazz le otorga el premio de Mejor Álbum de Jazz 1998 por su trabajo En Directo. Piano solo y es, además, ganador del Premio al Mejor Álbum Jazz en la III Edición de los Premios de la Música. Junto a los músicos Hozan Yamamoto (Japón) y Javier Paxariño produce el disco Otoño (Nuba Records). En 1999, graba su nuevo trabajo, Imán, con el que vuelve a ganar como Mejor Álbum Jazz en la IV Edición de los Premios de la Música. En el 2000 produce y dirige la grabación del álbum Tú no sospechas, junto a la gran compositora Marta Valdés, con quien realiza una gira conjunta por distintas ciudades españolas en la primavera de 2001, acompañados por Javier Colina y Guillermo McGuill. En octubre de 2000, se estrena en España la película del oscarizado Fernando Trueba, titulada Calle 54. En este filme, el cineasta español rinde homenaje a la música del jazz latino que tanto le apasiona y cuenta con la participación de artistas de gran talla: Chucho Valdés, Paquito D’Rivera, Gato Barbieri, Cachao, Patato, Jerry González, Bebo Valdés, Puntilla, Michel Camino, Eliane Elías, Chicho O’Farrill, Tito Puente…y Chano Domínguez, único representante español. La banda de la sonora de Calle 54 se edita en disco y es nominada a los Premios Grammy Latinos 2001. Despide el 2000 con un concierto especial en La Habana junto a Chucho Valdés y Herbie Hancock. Entre 2001 y 2002, realiza una gira por EUA con el proyecto de Calle 54 junto a Eliane Elias, Paquito D’Rivera y Jerry González, entre otros. En 2002 graba su nuevo disco Oye cómo viene (Lola Records), editado también en DVD, Mira cómo viene (Lola Records), y es nominado a los Premios Grammy en la categoría de Jazz Latino. El 2003 es invitado por Wynton Marsalis a realizar una serie de conciertos en el Lincoln Center de Nueva York junto a la Lincoln Center Jazz Orchestra. Allí se estrena la obra escrita por Chano Domínguez para la ocasión, bajo la orquestación de Lluís Vidal y titulada De Cai a New Orleans. Ese mismo año, Chano Domínguez sale de gira por América del Sur y, con Wynton Marsalis, comparte los escenarios de jazz más prestigiosos de España. Otro proyecto llevado a cabo en 2003 es el álbum Con alma (Venus Records), grabado junto a dos otros grandes músicos: Jeff Balard a la batería y George Mraz al contrabajo. El álbum Chano Domínguez, 1993-2003 (Nuba Records) recopila los mejores temas del artista de la última década. En el año 2004 vuelve a trabajar con Martirio, con quien graba el álbum Acoplados (RTVE Música). Realiza de nuevo una gira por distintos países de Suramérica, que incluye Costa Rica y Venezuela. Ese mismo año acepta un nuevo reto: la adaptación de los temas populares recopilados por Federico García Lorca para el espectáculo El café de las chinitas, del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de José Antonio y la escenografía de Lluís Danès. En 2005 graba el álbum Acércate más (RTVE Música/ Nuba Records) con Guillermo McGill a la batería, Miguel Angá a la percusión y George Mraz al contrabajo. Más adelante ese mismo año, comparte escenarios europeos con Jack de Johnette Quintet y es reclamado en prestigiosos festivales europeos de jazz: Festival de Montreux (Suiza), The North Sea Festival (Holanda), Festival de Jazz de Marziac y de Vienne (Francia), Festival de Jazz de Florencia (Italia) y Festival de Jazz de Viena. El primer proyecto de 2006 es Cuentos del Mundo (LKY Records), un disco de cuentos compuestos por Chano Domínguez y Marina Albero, narrados por la inconfundible voz de Constantino Romero y cantados por la pequeña Serena. Con este trabajo, Domínguez abandona temporalmente el jazz para componer, interpretar, grabar, mezclar y producir un fantástico viaje por el mundo para toda la familia. Aunque 2006 es el año en que nace, comisionado por la Junta de Andalucía dentro del proyecto El Jazz viene del sur, el proyecto de más envergadura de Chano Domínguez: NFS, una formación que cuenta con más de diez músicos y con la que han grabado el álbum NFS, New Flamenco Sound (Verve, Universal), una combinación única de jazz y flamenco. Para este trabajo, Chano Domínguez vuelve a rodearse de excelentes músicos: Marc Miralta a la batería, Israel Suárez “Piraña” a la percusión, palmas y jaleos, Tomasito a las palmas y jaleos, Marina Albero a los teclados, vibráfono y salterio; Blas Córdoba a la voz, palmas y jaleos; Jordi Bonell a la guitarra, Diego Urcola a la trompeta, Llibert Fortuna al saxo alto y efectos; y con la colaboración de Steve Berrios y de Katherine Miller. Chano Domínguez, el primer músico español que graba con Verve, el prestigioso sello estadounidense de Universal, escribe: “La idea New Flamenco Sound nace de la necesidad de seguir desarrollando mi música (…) El resultado es un trabajo de composiciones originales pensadas para la nueva banda en las que vuelvo a tener como puntos de referencia las claves rítmicas del Flamenco y el lenguaje vivo de la improvisación”. En 2007, los componentes de NFS realizan una gira por distintas ciudades españolas, y viajan a Mexico, donde recogen excelentes críticas tras inaugurar la XXIII Edición del Festival de México en el Centro Histórico. En abril, Chano Domínguez es solicitado por la Orquesta Sinfónica de Liepjaja (Letonia) para interpretar sus composiciones de De Cai a New Orleans; también es invitado al festival La cité de la musique de París. Durante casi todo el 2007, Chano Domínguez estuvo presentado New Flamenco Sound por toda Europa y prepara una gira por distintas ciudades españolas, entre las que se encuentran Valladolid y Vigo, y europeas, Toulouse y Rotterdam, entre otras. A finales del año 2007, salió al mercado el álbum y DVD junto a Paquito D’Rivera, Paquito D’Rivera & Chano Domínguez Quartier Latin (Universal), grabado en directo en el Teatro Real de Madrid en junio de 2006. Durante el año, 2008 destacar sus actuaciones con el Sexteto junto a Wynton Marsalis en el Lincoln Center de Nueva York a finales de abril y posteriormente la participación del Trío de Chano Domínguez en el Festival de Jazz de San Francisco el 2 de mayo de 2008. Por otra banda continua colaborando en las actuaciones con el Ballet Nacional y su espectáculo Café de Chinitas por diferentes teatros nacionales e internacionales. En 2009 se centró en la realización de su nuevo proyecto Piano Flamenco formado por su Cuarteto. Piano Ibérico (EMI 2010) o su último Grammy Nominado "Flamenco Bocetos" (Blue Note, 2011). Su música ha sido interpretada por muy diferentes grupos y orquestas como: la Orquesta Nacional de España, WDR Big Band, Orquesta de Jazz del Lincoln Center, entre otros. En este último año Chano se ha embarcado en la edición de su último disco publicado junto al guitarrista “El niño Josele”, además de la publicación del disco han realizado una gira conjunta que les ha llevado por multitud de escenarios de toda España, Venezuela, Francia y otros paises Blas Córdoba , cantaor flamenco autodidacta con un estilo propio y original .No carece de la influencia de los grandes maestros del flamenco ,Caracol, Mairena y especialmente Camarón. Comienza su carrera de artista en 1998, tras presentar su primer disco VIEJOS MAESTROS, debuta en el Grec de Barcelona de mano del Taller de Musics. Blas es un investigador de los diferentes géneros y estilos del flamenco. Interesado por sus orígenes , experimenta y utiliza nuevos recurso musicales, para crear así, una de las mejores muestras del cante flamenco mas actual e innovador. En su voz, en su ” Kejio”, disfrutaremos la riqueza de su timbre, de sus recursos estilísticos y de su duende. En sus conciertos podremos admirar su gran sensibilidad y embrujo que hacen cómplices a su público. Kejio es sin duda una manifestación creativa y personal de composiciones de gran belleza, repletas de carácter, temperamento y poesía. Su voz se mezcló con las voces búlgaras y las flamencas, en la catedral de Barcelona dirigido por Enrique Morente y arreglado por Joan Albert Amargos . Es descubierto por Chano Domínguez y el pianista gaditano lo invita a participar en su disco IMAN. Acompaña a Chano a cruzar el charco para participar en la película CALLE 54 dirigida por Fernando Trueba. Kejio siguió al pianista por todo el mundo. Trabajaron en los mejores festivales de jazz, pasaron por radios y televisiones. Abrieron el festival de las treinta nits de Sabadell, con un concierto de piano y cante . En el 2000 Kejio se incorpora al grupo del guitarrista Cordobés Vicente Amigo, con el qué trabajará hasta el 2007. Colaboró en su disco Paseo de Gracia.
Trabajó con Wynton Marsalis en el Lincoln Center , con Jack Dejohnette , con la Orquesta WDR Big Band Koln, con Perico Sambeat, participa en el teatro Flamenco hoy de Carlos Saura. Es el cantaor de lo discos de Chano Domínguez, desde Imán, hasta Piano Ibérico.
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Rcío Márquez en el Auditorio Nacional de Madrid. Foto: M. Sevillano |
Claroscuro y silencio. Rocío Márquez aparece vestida con mono de lunares blancos y negros, mantón azabache cruzado. Preside la sala de cámara del Auditorio flanqueada por esas dos torres gemelas que son Los Mellis y comienza con una granaína del revés en el vacío, que quiebra la frialdad de la sala. Tanto sabe de liturgia el flamenco como el cura. Y por eso en esta misa profana de viernes por la noche en Príncipe de Vergara hay sones de Pepe Marchena, pero también alaridos de ultratumba y ligeros glorias de alabanza a tierras lejanas que vistieron el flamenco de canela y café. Llegaba Rocío Márquez al Auditorio Nacional para mostrar lo que lleva tres años trabajando para construir su nuevo disco El Niño, que rinde homenaje a la creatividad insaciable del cantaor Pepe Marchena. No hay que buscar gargantas rotas ni desgarros es los conciertos de la cantaora: mesura y sutileza, voz limpia y medida son sus señas de identidad. Tras la profunda granaína, llega una guajira en la que se gusta cantando con los labios sellados dando paso a unos fandangos a la Cruz de Piedra en los que alardea de poder apurar el registro por los agudos y los graves, invocando al cante antiguo. La liturgia sigue con la milonga y llega el momento de un evangelio que a la guitarra nadie proclama como Pepe Habichuela. Recibido por un clamor, el guitarrista prologa a la onubense con oberturas de filigrana para afrontar una pasión amarga de seguiriya que se torna taranta no apta para oídos conformistas, que anuncia que lo que venga después será una ruptura. La Romanza a Córdoba, ecuador del concierto, se torna un pregón de voz calmada como una arroyo que conmueve, y apenas nadie repara en esa palabra que a la cantaora se le atasca, porque en la retahíla el público ha quedado conquistado. Y aún con la hipnosis y el derroche de aplauso caliente, comienza la ruptura. Punto y aparte en el que la cantaora se pone en pie y se acompaña de las voces moduladas del Niño de Elche, de la batería y de la guitarra eléctrica. Y aquí comienza el flamenco contemporáneo y rompedor, en el que una saeta termina en alaridos estremecedores y la melodía de la canción Los esclavos una letanía de números recitados con parsimonia como un rosario insensible y frío mientras Rocío Márquez se quiebra la voz para ponerle trasfondo dramático. Al final, hay algo conectado entre el público que sale del Auditorio y aquel que salía de oír a Pepe Marchena, salvando las distancias. Algunos, una vez aplaudido hasta rabiar, buscan la calle para susurrar que la primera parte les ha gustado mucho pero que la segunda la respetan pero… Aún resuena en la sala los versos a la rosa de Juan Ramón Jiménez y las voces de Los Mellis, y la fiesta ha terminado. Y aquellos cantes de ida y vuelta que le gustaban a Marchena, y a los que él les dio un giro, han vuelto de nuevo a hacer de las suyas. Siempre girando, siempre distintos, como el flamenco mismo: siempre vivo y siempre cambiante. Jeromo Segura pone voz a las Minas en su nuevo disco
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Es el segundo trabajo en solitario y el primero tras obtener la Lámpara Minera. El onubense ha apuntado que se han grabado 20 cantes de Levante de músicas diferentes, pero se van a grabar entre 20 y 30 cantes más, es decir, que habrá segunda parte de este disco.
El cantaor onubense, Jeromo Segura, ha recogido la esencia del cante de las minas en un trabajo discográfico sin precedentes, titulado ‘La voz de las minas’. Es el segundo disco en la trayectoria del artista y el primero tras hacerse con la Lámpara Minera en el año 2013. “Se trata de un trabajo donde he tenido que estudiar de la mano de las grandes familias, los que recogen y tienen guardado como un tesoro, la llave del cante de las minas”, ha asegurado el cantaor onubense, quien no esconde su satisfacción por el resultado final. Jeromo Segura ha querido dedicar este disco a la ciudad minera, y muy en especial a las dos familias de artistas, los Cros y los Fernández. El propio cantaor ha dicho que este disco es un trabajo que le debía al pueblo, y a esas dos familias, porque lo que le ha pasado con La Unión es “un regalo de Dios”. El onubense ha apuntado que se han grabado 20 cantes de Levante de músicas diferentes, pero se van a grabar entre 20 y 30 cantes más, es decir, que habrá segunda parte de este disco. Se trata de una Antología del Cante Minero, que “servirá de guía para la nueva gente del flamenco que quiera aprender”. Para el artista, el Festival Internacional del Cante de las Minas es el más importante del mundo, y ha recomendado a los aspirantes de este año que, sobre todo, conserven la “pureza” del cante. Jeromo Segura ya trabaja en nuevos proyectos en el futuro, tras ofrecer este verano más de una treintena de conciertos en los festivales más prestigiosos y con las principales figuras del flamenco como José Mercé, Marina Heredia, Argentina, Arcángel o Miguel Poveda, entre otros.
UNA EXCELENTE OBRA FLAMENCA ![mi-retoque-al-cante-jerezano-300x263.jpg]()
Fue en Jerez, en el transcurso de su prestigioso Festival, cuando se dio a conocer el contenido de esta su segunda obra. La expectación creada en los días previos a la presentación de “Mi retoque al cante jerezano”, último disco de David Lagos, se tradujo en el magnífico ambiente que se respiraba en la Sala Compañía la noche del Día de Andalucía. Con las entradas agotadas, todos querían estar en un evento que olía a Jerez y que prometía momentos de júbilo y grandeza flamenca. Y así fue. El espectáculo sólo estaba programado para esa noche, pero ante la insospechada muerte del gran Paco de Lucía, y la inoportuna cancelación por parte de Tomatito –que envió un certificado médico- de su concierto en el Villamarta, la dirección del Festival evaluó la situación y optó por repetir el concierto del jerezano la noche del día 1 de marzo en el mismo espacio escénico pero a las diez de la noche. Un acierto sin duda que palió así la ausencia del guitarrista almeriense y propició que aquellos que no habían podido asistir la noche anterior lo pudieran hacer esa noche. Así las cosas, lo que David Lagos hizo fue demostrar que sabe lo que canta y por qué lo canta desde su particular enfoque del cante de Jerez, rescatando viejas voces y formas de cantes que en su tierra se cultivan poco. Y es lo que encontramos en este magnífico disco, el segundo de su joven e intensa carrera artística.
Rodeado de los mejores artistas jerezanos para el mensaje que nos quiere transmitir, en esta segunda entrega discográfica, David Lagos demuestra lo que muchos sabemos, que estamos ante un excelente cantaor en el que se reúnen casi todas las mejores características de los grandes: voz apropiada, conocimiento, afinación, ritmo y compás, entrega y bravura jonda.
Junto a la guitarra de su hermano Alfredo Lagos –qué gran guitarrista- y la de Santiago Lara –productor artístico y director musical del disco- reivindica a Juanito Mojama y la escuela y el estilo de don Antonio Chacón –que en Jerez no se valora lo suficiente- con un gusto y un desarrollo musical que pocos saben interpretar con rigurosidad. Y también los ecos ancestrales del cante de El Niño Medina, Diego “El Marrurro”, Curro Dulce, Frijones, Isabelita de Jerez, Luisa Requejo, El Garrido de Jerez, Sordera, Terremoto, Sernita, El Niño Gloria, Manuel Torre, el Viejo Agujetas y Antonio Núñez “Chocolate”. Bulerías por soleá (“Bulerías pa’ escuchar”, según denominación de origen), tientos y tangos, petenera, guajira, soleares, malagueña, seguiriya, fandangos, bulerías (una fiesta por bulerías “made in Jerez”) y una balada de creación propia, rematada con un fandango de Huelva, que es una “Glosa a Jerez”, componen esta excelente obra flamenca que nos sorprende por su rigurosidad y su redondez y su contundencia musical. No dejen de escucharla. Merece la pena.
Cante: David Lagos. Baile: Mercedes Ruiz. Guitarras: Alfredo Lagos, Santiago Lara. Bajo: Manolo Nieto. Piano: Jesús Lavilla. Percusión: Perico Navarro. Palmas y jaleos: Miguel Ángel Soto “El Londro”, Álex Fernández, Javier Peña, J. Castro y “El Bo”. Selección de cantes: Carlos Martín. Producción y dirección artística: Santiago Lara. Autoproducción de David Lagos. Grabado y mezclado en Estudios D’Lagos por José Amosa durante el año 2013.
TRILOGÍA FLAMENCA "FALLA POR CAÑIZARES"
Con este tercer álbum, titulado "El Amor Brujo – Falla por Cañizares", se concluye la trilogía que Cañizares dedica al maestro Manuel de Falla. Para este disco se han seleccionado 10 piezas de El Amor Brujo y 5 piezas de Suite Homenaje. De todas las obras compuestas por Falla y ![CANIZARES+EL+AMOR+BRUJO.jpg]()
transcritas por el guitarrista flamenco, el Amor Brujo es, según palabras de Cañizares, la que acoge más sonoridades flamencas; "En ella, emergen cadencias andaluzas y melismas que los cantaores flamencos suelen incluir en sus cantes. Esto es una evidencia clara del amplio y profundo conocimiento que del flamenco atesoraba Falla". En esta grabación encontraremos esos matices, que en el contexto general de la obra adquieren un carácter peculiar. Aquí concluye un magnífico viaje, una extraordinaria aventura que, sin duda, amplió las ganas de Cañizares por seguir investigando las obras del Maestro gaditano.
En un tiempo en que se hace difícil distinguir las fronteras, no me gusta contar los pasos que me separan de la música porque así sabría la cantidad que debo recorrer hasta encontrarme con ella. Prefiero, en cambio, que sea el músico quien me oriente, quien me trace la ruta a fin de que juntos podamos abrir una senda por el rico mundo de los relatos de viajes sonoros. Explorar el medio ambiente en que se gesta la creación artística y deleitarnos con las vistas y senderos que nos muestra es primordial, pero caminar por este Paseo de ensueño es hacerle frente a lo que la sinrazón nos niega, el gozo de vivir, de ahí que el oyente va a tener el placer de encontrarse siempre en los lugares más insospechados y de contemplar paisajes donde no hay obstáculos para entrar, sino para salir, como quien se niega a escapar de un cautiverio de belleza.
Miguel Rivera toma como punto de partida buscarse así mismo en Pasajes de juventud, medita con el trémolo en La Cueva de la Mora y evidencia que nunca se está mejor acompañado que desde la Armonía solitaria de la bulería.
Más allá de la frontera interior, su guitarra bebe sobre el plano de la minera el Agua de manantial y asoman nombres a su encuentro, como el perfil cartagenero cincelado con el eco de Saúl Quirós; el rayo de luz para que en el Reflejo de un momento quede la silueta de Serranito, o los retratos de la Suite Sevilla de Rafael Riqueni, con detalles tan minuciosos como el alma de la Calle del Infierno, transitada con Juan Manuel Cañizares, o el Paseo de ensueño que evoca junto a Rafael Morales.
En el deseo de procesar los sentimientos acumulados en su vida despierta, Miguel Rivera tiene, por tanto, un significado para cada sueño, pues si desliza sobre sus dedos la arena de las alegrías Labrando la luz, consolida la memoria con las Esencias y suspiros del vals; y si se cobija en La Corrala al calor de la bulería, lo mismo amanece por soleá con el Yeyé de Cádiz una Mañana de primavera que aviva la rumba al calor de Jorge Pardo para La luz de mis sueños, su hija Eva.
Con la voz de Argentina anunciando los Pasajeros en el tiempo, de El Bolita, y la magia de Joan Albert Amargós, acaba su destino. Donde sólo había paisajes sonoros, el compositor y guitarrista ha construido un sueño que ya de por vida acompañará en nuestro despertar. Y es que si los sueños son el origen de las imágenes oníricas que generamos mientras dormimos, Miguel Rivera ha logrado el milagro. Todo es tan acogedor, tan delicado, tan efusivo, tan real, que el ensueño es un fenómeno físico que se puede tocar.
Manuel Martín Martín. Premio Nacional de Flamencología
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Miguel Rivera se inicia en la guitarra a muy temprana edad, debutando a los 17 años junto a la bailaora Carmen Mora y tocando en diversos tablaos: Café de Chinitas, Corral de la Pacheca, etc. A los 20 años da su primer concierto en la Universidad Complutense de Madrid. Entre 1980 y 1984 trabaja para el Consejo de Arte Australiano, dando conciertos de guitarra flamenca en el festival de Sydney y Camberra, Art Gallery de Melbourne y junto a David Smith (guitarra de Jazz), recorre diversos estados haciendo música experimental dentro del Flamenco Fusion. Recibe en 1984 la mención honorífica por el Australian commisions Affairs, por su divulgación de la guitarra flamenca. En la Compañía Laberinto - The Flamenco Experience, compone con brillantez la totalidad de su música, también en esta etapa realiza diversas actividades docentes. Resulta finalista en el XIV Certamen de guitarra Flamenca 1985 patrocinado por el Exmo. Ayuntamiento de Jerez. Participa en calidad de invitado en el III Concurso y Festival internacional de La Habana de 1986. Recibe la Mención especial de Firenze Lírica 1987 - Italia, con motivo de su colaboración en la obra "La Vida Breve". Entre 1985 y 1989, junto a Víctor Monge "Serranito" da conciertos y recorre toda Europa, participando a su vez en algunas de sus grabaciones. Con la compañía de José Antonio Ruiz, junto a Manuela Vargas, en la obra “El cachorro” con escenografías de Salvador Távora, compone argumentos de esta obra y con gran éxito recorren España, México, Argentina, y diversos teatros en Alemania, finalizando en el Teatro Alcázar de Madrid. En Israel fue invitado a dar conciertos e impartir seminarios. A través del Ministerio de Asuntos Exteriores, representa a España en diversas Embajadas: Teherán, (Museo de Arte Contemporáneo), en Canadá cierra con un concierto organizado por la embajada de España, la presidencia Española de la Comunidad Europea del 2002. Recorre diferentes continentes: actuando en Lagos (Nigeria); Delhi (India) y Kingston (Jamaica), con diferentes formaciones. En 1997 graba su primer disco “Verdesperanza” con una gran acogida por parte de la crítica musical especializada. Durante el 2000-01, tiene el privilegio de participar en las giras de Joan Manuel Serrat por toda España y Sudamérica con su espectáculo “Tarrés-Serrat”. Recientemente ha realizado una gira por Sudáfrica, Namibia y Nigeria a través del Ministerio de Asuntos Exteriores. Ha participado en la XI edición del Festival de guitarra de Costa Rica, en el teatro Nacional y en el festival de guitarra Iberoamericano 2004 en Santiago de Chile. También ha dado diversos conciertos a través de Caja Madrid, en Barcelona y una gira de conciertos en Centro América. En el 2005 trabaja en la composición y grabación de “Contrastes”, editado por Peer Music (España). En 2006 presenta el disco en Madrid y actúa en Sudáfrica y Zimbabwe. En 2007 continúa con la promoción de su último dísco, actuando en enero de 2007 en París y en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid.
La actual propuesta musical de Miguel Rivera es Tríptico Andaluz, estrenada en Madrid en abril de 2010 y presentada en la I Feria Flamenca de Buenos Aires, un ambicioso proyecto en el que convergen el cante y las guitarras flamenca y clásica. En una primera exposición se ofrece al oyente la relación directa entre el flamenco y Lorca y culmina con la Suite Sevilla, obra del genial Rafael Riqueni alcanzando momentos de una gran belleza musical.
Grabado en Madrid en el Otoño del 2013 por Jesús de Rosario en Estudio Caño Roto. Pasajeros en el Tiempo grabado en estudios Octopus Dos Hermanas (Sevilla) por Jordi Cristau y producido por José Quevedo "Bolita" para LP Flamenco. La rumba Luz de mis sueños, grabado por Diego Ain en estudio Ain. Edición y mezclas Jesús de Rosario. Masterizado por Álvaro Mata en estudio Larache. Fotografía-Laura Blesa. Portada y dibujos-Manuel Sánchez Algóra. Diseño gráfico-Arturo Iturbe. Edita y distribuye Karonte. Producción ejecutiva Phil Rourk. Guitarras- Hnos. Conde, Arturo Sanzano y Felipe Conde.
2º Agua de Manantial (minera) 3º Reflejo de un Momento (seguiriya) 6º Labrando la Luz (Alegrías) 7º Esencias y Suspiros (vals) 9º Mañana de Primavera (Soleá) 10º Luz de mis Sueños (Rumba) 11º Pasajeros en el Tiempo
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David es un cantaor jerezano que pertenece a una contrastada estirpe familiar, la de los Carpio, un nombre que remite a San Miguel y a La Plazuela. En su configuración como artista se conjugan, pues, la herencia de la sangre, la de un arte transmitido oralmente de generación en generación, con una trayectoria profesional dilatada pese a su juventud. Curtido en las compañías principales de baile desde la adolescencia, David es un cantaor completo, con un sentido de la profesionalidad y de la seriedad difícilmente superable. Su cante rancio le hace ser un artista diferente, su voz transporta un eco ancestral. En la actualidad, David compagina sus recitales en solitario con la preparación de su primera grabación discográfica de estudio y los trabajos con grandes compañías de flamenco como son las de Andrés Peña, Manuel Liñan, Belén Maya, Mercedes Ruiz o María Del Moreno, entre otros. También forma parte, como cantaor protagonista, del grupo del gran guitarrista Jerezano Gerardo Núñez. Para este, su primer disco, David ha querido lanzar el mensaje de que el cante flamenco clásico y puro 'está mas vivo que nunca'. Por ello ha decidido que su debut discográfico sea en vivo, una grabación que está tomada en directo de su actuación en el XVII Festival de Jerez de 2013, dentro de su ciclo Los conciertos del Palacio. Acompañado por el guitarrista Manuel Valencia, el cantaor dio un recital en el Palacio de Villavicencio y, como es norma en ese ciclo, allí se canta sin micrófonos ni megafonía. Tan sólo voz, guitarra y palmas. Se trata, así, de un disco sin aditivos ni conservantes, que transmite las emociones vivas, y donde David afirma que expone y entrega toda su verdad, 'sin trampa ni cartón, como los de antaño'. El propio cantaor nos guía por los estilos que interpreta. “Empiezo con unos Pregones homenajeando a los genios de antaño. Luego canto por Solea, "La mare de todos", y en ese estilo me acuerdo de cantaores de época de Jerez de la Frontera, como Antonio Frijones, Juanito Mojama o Manuel Agujetas. Continúo o por Malagueñas con unos estilos algo en desuso, al menos en mi tierra, como son las de Diego el Perote y Concha la de Peñaranda. Por Cantiñas paso por los Pinini, pero también, entre otros estilos, por esa bahía de Cádiz, que es imprescindible. Con los Tarantos expongo otra parte de 'mi verdad: canto una primera letra mía, con algún deje del primo de mi abuelo, Antonio Núñez Montoya, Chocolat, y cierro con otra de Antonio Mairena, tratando de poner algo de mi impronta. En la Seguiriya, ese cante de fatigas negras, dejo ver claramente las influencias sobre mi manera de sentir y entender el cante flamenco, pasando por Manuel Torre o Tío José de Paula con destellos de Fernando Terremoto y Manuel Agujetas. La Bulería. Hay quien dice que es un cante que según dicen viene de la burla, pero yo he de decir que, con mi manera de sentir y expresar el cante, intento exponer totalmente lo contrario, o sea intento darle seriedad y sobriedad. Paso desde el típico corte jerezano al lebrijan, al de Utrera e incluso hago referencia en unas de mis letras a ese genio ya desaparecido, Manuel Moreno Junquera Moraito Chico, para mí dueño y fiel compañero de la Bulería . Bonus Track. En este final, sinceramente he de reconocer que, si cierro los ojos y solo escucho lo que hay en ese momento de cante y baile, con esa pataita de Chicharito de Jerez, me transporto a los discos de antes, esos discos donde se escuchaba hasta una pluma que cayera en el estudio o el lugar donde grababan antes esas obras de arte, sin importar los ruidos ajenos, solo entregando sus verdades”. David Carpio sintió la llamada del cante desde muy pequeño. Comenzó de muy niño en estas con su familia, una de las más señeras en cuanto a cante de Jerez, hasta que a los quince años pasa a formar parte de la compañía de Cristóbal 'El Jerezano', un hecho que le abrió las puertas del mundo artístico. Sus siguientes pasos fueron enrolarse en el espectáculo que dirigía Lauren Postigo, Chavalillos de España, donde David experimentó un crecimiento significativo como cantaor. A los 19 años, Carmen Mota le requirió para entrar en su compañía, a la que perteneció durante nueve años. En todo este tiempo, el jerezano logró adquirir un amplio conocimiento del cante, porque como en más de una ocasión ha declarado "desde siempre me ha preocupado por aprender". Esta experiencia le supuso, además entender la filosofía de una compañía profesional, dotando su personalidad de una seriedad y un saber estar importantes. En esta última etapa recorrió muchísimos países europeos. Tras su regreso a Jerez, el joven cantaor ha colaborado activamente con distintos bailaores como Andrés Peña, María José Franco, Manuela Carpio, Concha Vargas, Pilar Ogalla, Antonio 'El Pipa'. Precisamente con este último ha tenido una amplia participación en los últimos años pues ha sido pieza fundamental en su Compañía. Ha compartido escenario con cantores de nivel como Juana la del Pipa, La Macanita, Luis 'El Zambo',Juan Moneo 'El Torta', Vicente Soto 'Sordera', Fernando de la Morena, Duquende, Canela De San Roque, Enrique 'el Extremeño', Cancanilla de Marbella, Mariana Cornejo...etc. Tampoco hay que olvidar su experiencia en tablaos como en Casapatas, Los Gallos, Museo Flamenco de Cristina Hoyos o el Tablao Berebér de Jerez. También ha sido partícipe de las guitarras de excelentes profesionales como Moraíto Chico, Diego Del Morao, Alfredo Lagos, Juan Diego Mateos, Ignacio Fernández, Pascual De Lorca, Antonio Higuero, Antonio Moya, Domingo Rubichi, Pepe Del Morao entre otros. Además, de un tiempo a esta parte ha sido referente en numerosas peñas del territorio nacional, peñas punteras como El Garbanzo, Don Antonio Chacón, Tío de José de Paula o Fernando Terremoto en su tierra, o Peña El Piyayo (Málaga), Peña Solera del Ariscal (Sevilla) o la peña Agustín Fernández (Córdoba), entre otras, fuera de ella. David Carpio ha participado en numerosos festivales de enorme importancia como el citado Festival de Jerez, La Reunión de Cante de la Puebla de Cazalla, El Festival de La Unión, El Festival de la Serrana, El de Casabermeja, El Arranque Roteño o Los Viernes Flamencos de Jerez 2008 donde compartió cartel con Ana Peña y Vicente Soto 'Sordera'. En el mismo año 2008 grabó su primer disco, un trabajo producido por la BBK y Bujío Producciones que ha conseguido numerosos galardones, entre otros el de Mejor disco del Año a cargo del Festival de Cante de las Minas de la Unión, con 'La Nueva Frontera del Cante de Jerez', como se denomina el compacto, ha trabajado en diversos puntos de España, destacando el Teatro Arraiga de Bilbao o la Alameda de Hércules de Sevilla, lugares en los que ha cosechado, junto al resto de compañeros, un enorme éxito. También ha colaborado en otros dos discos, uno con el guitarrista flamenco Ignacio Fernández y otro con el cantautor venezolano Enrique Barrios. Su carrera artística también ha entrado en contacto directo con el mundo del teatro, colaborando estrechamente con la compañía teatral del director hispano-argentino Rodrigo García. Con dicha compañía debutó en el Festival Iberoamericano de Cádiz, en octubre del 2008, para realizar posteriormente actuaciones en Festival de otoño de Madrid y en el Teatro Laboral de Gijón. En el año 2009 entró a formar parte del elenco cantaor del Ballet Flamenco de Andalucía que dirigía Cristina Hoyos, con el que ha realizado con éxito espectáculos como 'El café de Chinitas'. Precisamente con este último ha recorrido toda la geografía española y ha cosechado importantes éxitos en sus estancias en ciudades de medio Mundo. En 2011 dio un gran recital en el marco del festival de Jerez, junto al gran guitarrista, ya desaparecido Manuel Moreno Junquera “Moraito Chico “con el cual consiguió un gran éxito, la cual fue, “destino de la vida”, la ultima actuación del gran guitarrista. En 2012 fue galardonado con el premio “mejor cantaor de “pá tras “en el festival de Jerez. Además tiene varios premios conseguidos en: UBRIQUE (Cádiz), SEVILLA y MALAGA. CHÍCHARO & CARLOS GRILO palmas GRABADO EN DIRECTO EN EL FESTIVAL DE JEREZ 2013 PALACIO DE VILLAVICIENCIO, EL DÍA 24 DE FEBRERO DE 2013. Una producción de David Carpio para Karonte KAR7737 2/ LA MARE DE TODOS (soleá) 3/ “A MI MALAGUEÑA” (malagueñas) 4/ EL AIRE QUE RESPIRO (cantiñas y alegrías) 5/ “A MI ABUELO, ANTONIO CARPIO MONTOYA” (tarantos) 7/ POR SIEMPRE MORAO (bulería) 8/ MATOMA, TOMA –bonus track- Todos los temas compuestos por DAVID CARPIO
Manuel Mairena tuvo la “mala suerte” de nacer en una saga emblemática del cante flamenco de expresión gitana. Si Curro simbolizaba la esencia y Antonio es la grandeza, Manuel fue la eterna espera. Siempre estuvo a la sombra de sus hermanos, sobre todo a la del adalid de la Casa de los Mairena que sin duda fue Antonio. De ser la suya una carrera en solitario es más que probable que la fuerza de su nombre hubiera sido otra. Manuel era un cantaor de amplios registros y no pocos conocimientos, adquiridos en la casa pero interpretados de acuerdo con su propio concepto del cante que no tenía por qué coincidir necesariamente con el de su hermano y mentor, aunque la verdad es que casi siempre coincidió y él no se apartó del camino trazado.
Es cierto que hasta la muerte de Antonio, Manuel fue considerado como el eterno aprendiz. El protagonismo abrumador del más señalado de los Mairena tras la obtención de la Llave de Oro del Cante impedía que otras voces llegaran siquiera a igualar el peso del patriarca. Después de que Antonio desapareciera, Manuel tomó el relevo y siguió la estela marcada por el mairenismo. Durante años fue el santo y seña de la estética mairenista, pero su cante dejó de gustar o los años se le echaron encima y él dejó de estar en los carteles.
Tras algunos años prácticamente desparecido de los festivales y peñas, lugares donde solía actuar principalmente, cayó en un ensimismamiento que lo recluyó en su casa de Mairena del Alcor donde era visitado por familiares y amigos y algunos periodistas que todavía lo recordaban. En los últimos años apenas si cantó.
Tras su muerte, la Federación Provincial de Entidades Flamencas de Sevilla, acertando una vez más, editó un disco con una selección de cantes recogidos de actuaciones en directo por Antonio Cruz Madroñal –sobrino por línea paterna- entre los años 1967 y 1994 al que acompaña un libreto profusamente detallado y bien documentado escrito por el compañero de la crítica Manuel Martín, buen conocedor de los Mairena y cabeza visible del mairenismo militante. Los escenarios se reparten entre Toledo, Mairena del Alcor, Almería y Morón de la Frontera. Los guitarristas que lo acompañan son: Juan Antonio Muñoz Pacheco, Rafael Mendiola y José Luís Postigo. Y los cantes que interpreta son los que llevaba en su repertorio habitualmente. Es decir, los cantes que mejor aprendidos tenía y con los que más a gusto se sentía. En la obra que reseñamos la selección de cantes grabados a pie de escenario está compuesta por: bulería por soleá, tientos-tangos, liviana, soleares, seguiriyas, bulerías, granaína, martinete y saeta, cante del que era un verdadero especialista.
UN GESTO DE GRATITUD HACIA UN CANTAOR OLVIDADO Nos gusta cuando las instituciones flamencas tienen gestos de gratitud hacia los artistas que dieron gloria al cante y a una tierra, cual es el caso de Gabriel Moreno al que la Federación Provincial de Peñas Flamencas de Jaén, que preside Francisco Viedma -y que es el autor del libreto- ha rendido homenaje y en agradecimiento ha editado un disco con una buena selección de cantes, anteriormente grabados entre los años 1967 y 2010. Se invita así, desde su tierra, a la recuperación de la memoria y a saldar la deuda permanente que el cante tiene con el cantaor de Linares, otro ilustre olvidado.
José Gabriel Moreno Carrillo nació el 12 de abril de 1941 en el seno de una familia gitana en la que aprendería de la mano de su madre los primeros secretos. De ella, Carlota Carrillo, son los conocidos como “Tangos de la Carlotica”, en distintas variantes, que aparecen en los tres primeros cortes del CD. Y, según el propio Gabriel, también los fandangos por bulerías que aparecen en el corte nueve; aunque en este caso tengamos dudas al respecto, toda vez que lo que escuchamos es cante abandolao, inspirado en los estilos lucentinos, cantado a ritmo de bulerías al golpe. Pero aún así, no le quitamos su mérito.
Su carrera artística comenzó en Málaga, adonde su familia se había trasladado, cuando apenas había cumplido los doce años. A partir de entonces empezó una intensa actividad en escenarios de toda España y empezó a ser conocido como artista flamenco. Todavía era muy joven cuando en Estados Unidos conoció al maestro Agustín Castellón “Sabicas” quien le asesoró y ayudó en su incipiente carrera. A su vuelta de Norteamérica se presentó al II Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, cuando entonces denominado de otra manera y con características distintas a las actuales, en el que obtuvo el Premio de Honor por seguiriyas. Más tarde, ya instalado en Madrid, trabajó en los tablaos de más éxito. Y, junto a la bailaora Lucero Tena y el guitarrista Víctor Monge "Serranito", formó un trío que gozó de cierta fama. Fueron de los primeros artistas, durante la dictadura franquista, a los que dejaron salir de España para que actuaran en la dictadura comunista de la Unión Soviética.
Seguidor de la escuela de los Pavones, su cante se inspira más en Pastora pero interpreta a Tomás con delectación. Precisamente, tiene editado un disco homenaje a esa escuela que admira y a la que se dedica con rigor y pasión, en el que interpreta parte del repertorio de sus maestros.
"Gabriel Moreno es considerado un cantaor completo y, además, un gran tarantero. Tiene una voz brillante, limpia y a la vez dolorida. Un cantaor que ha sabido conjugar originalidad interpretativa con fidelidad a modelos clásicos, consiguiendo así unos cantes que, respetando rigurosamente los cánones más ortodoxos, suenan nuevos, distintos, suyos".
Fueraparte de los citados, en su haber tiene registrados un número considerable de discos, donde certifica su largueza cantaora junto a las guitarras de Félix de Utrera, Serranito, José María Pardo, Ramón de Algeciras, Lorenzo Álvarez, Alejandro Manzano, Niño Ricardo (hijo) y Sabicas; aunque en el disco-selección que reseñamos solo aparecen los cinco primeros.
Son veinte los cantes recogidos en este disco de homenaje: tangos de la Carlotica (en tres versiones), tarantas (4), fandangos atarantados (2), fandangos por bulerías, malagueña al estilo de Personita, soleares, bulerías (2), tientos, seguiriyas, toná y debla, granaínas y una saeta antigua que remata con la toná del Cristo.
De acuerdo con Mª Ángeles Carrasco, directora del Instituto Andaluz del Flamenco –institución que ha colaborado en la publicación de la obra-: “Entre los muchos nombres cuyos trabajos han colaborado a engrandecer el arte jondo se encuentra, en un lugar destacado, el del linarense Gabriel Moreno, surgido de una familia de gitanos herreros cuyo cante, calificado como enciclopédico, ha destacado por su maestría y su enjundia.” Dicho queda.
Aunque hace siete años que se editó, es una obra casi desconocida para el común de los aficionados, toda vez que las tiradas de este tipo de trabajos suele ser corta y la distribución más bien escasa por cuanto la edición es lo habitual que sea no venal. Y es una pena, porque es una producción discográfica exquisita y muy valiosa desde todos los puntos de vista.
La Federación Provincial de Entidades Flamencas de Sevilla, a cuyo frente está José María Segovia, un excelente aficionado que está marcando el camino del trabajo bien hecho, lleva años reivindicando a los artistas sevillanos que en su día prestigiaron el cante al margen de su mayor o menor popularidad. Manuel Vallejo, Antonio Mairena, Manuel Mairena o Luís Caballero son nombres que aparecen en sus colecciones. Hoy nos ocupamos del álbum que contiene un triple CD con la obra completa de Manuel Vega “El Carbonerillo”, acompañado con un bien documentado y profusamente ilustrado libreto que firma el compañero Manuel Bohórquez.
Es esta federación de peñas flamencas un ejemplo a seguir, por cuanto está implementando una serie de proyectos bien diseñados y encaminados no solo a cumplimentar el día a día –imprescindible siempre-, sino a dejar una herencia imperecedera que colme las ansias del conocimiento, a la par que establece una luz para alumbrar la memoria de figuras como “El Carbonerillo”.
Así las cosas, únicamente cabe la alabanza y la felicitación por el trabajo bien hecho frente a la desgana y la falta de rigor que vemos en otras instituciones de similar categoría, al menos sobre el papel. Es por tanto necesario aplaudir con la misma fuerza que pitamos cuando algo no nos gusta.
La figura de Manuel Vega, aquí reivindicada en toda su dimensión y con la grandiosidad posible y necesaria, queda así instalada en la galería de los grandes. Porque eso era el cantaor sevillano, un artista con la dimensión de lo inencontrable, hermoso en la pena de su cante, emocionante en la dulzura de su voz, recuerdo lacerado de la genialidad, cantaor único.
Sin embargo, por razones inexplicables que no alcanzamos a vislumbrar, aquel genio incomprendido, aquel joven romántico y soñador que cantaba envuelto por el ambiente enrarecido de la noche ebria, ha pasado a la historia injusta del flamenco como un humilde fandanguillero. Sin embargo, aunque es cierto que el grueso de su obra está compuesto por distintos estilos de fandangos artísticos personales, la grandeza de sus fandangos nunca fue un menoscabo. Pero, si eso no fuera mérito suficiente, ahí están sus cantes por soleá, por seguiriyas, por tarantas, por granaínas… Ahí está recogida, en esta magnífica obra, el esplendor de su voz sublime, llena de colores y matices personales, que uniquitamente es posible definir desde la emoción que proporciona el placer del fracaso. Manuel Vega García “El Carbonerillo”, con su pasional bohemia y sus ensoñaciones etílicas, fue ejemplo vivo de esa aparente contradicción.
He de confesar que es la primera que escucho a Joaquín de Sola, cuyo nombre había oído alguna vez en los mentideros flamencos. Alguien me había hablado bien de él, pero por una razón o por otra nunca hasta ahora se había presentado la ocasión. En el Festival de Jerez, que tendrá lugar entre el 21 de febrero y el 8 de marzo, tendremos la oportunidad de asistir a la sala Damajuana donde el día 23 está programado su presentación ante la afición. Hasta entonces nos conformamos con disfrutar de su primer disco. Joaquín de Sola comenzó a hacer sus primeros pinitos en el cante en el escenario de la Peña Flamenca “El Chato de la Isla”, donde cantó por primera vez en el verano de 2.007. Tras su temprano debut, se integra en el Taller de Flamenco Chato de la Isla, cantando con el grupo en la Tertulia Flamenca de la Isla. Un año después, es invitado de nuevo a cantar en la peña flamenca en la que había debutado y en la Peña Flamenca “Aguilar de Vejer”. Y tras su paso por las citadas entidades flamencas, es invitado a participar en acontecimientos de importancia, como el celebrado en el Instituto Andaluz del Flamenco con motivo de la concesión al flamenco del distintivo con que lo adornó la UNESCO en 2010. Entre tanto, su aprendizaje como cantaor de atrás lo inicia en 2011 con la bailaora María Fernández, mientras sigue actuando en lugares como la Peña Flamenca “Camarón de la Isla” o en la feria de Puerto Real. En 2012 participa en el homenaje dedicado a Camarón de la Isla en el vigésimo aniversario de su muerte. Y en el imprescindible paso por los certámenes flamencos hemos de señalar sus triunfos en el Concurso Nacional de Ubrique, obteniendo el Premio Joven y en el prestigioso Concurso de Cante por Alegrías de la Peña Flamenca “Enrique El Mellizo”, en el que fue galardonado con el primer premio. Cantaor habitual en la Venta de Vargas, es seguido con atención por la crítica y el público entendido, que ven en el joven cantaor el eco y las formas de viejos maestros gaditanos. Y no están faltos de razón quienes eso sostienen. Joaquín de Sola posee una voz flamenca que por instantes nos recuerda, por ejemplo, el eco ancestral de Antonio “El Chaqueta”, pero con matices propios que lo convierten en una rara especie entre los más jóvenes. Así, en las alegrías de la tierra, que canta según los cánones pero sin renunciar a su personalidad, resume en su voz gorda la esencia del Cádiz más auténtico. Pero si en los tientos se nos presenta correcto en su ejecución, y en la canción por bulerías se nos muestra dulzón, en la “malagueña de Canales” (compuesta por el bailaor Antonio Canales) juega con el cante por fandangos, por granaínas y por malagueñas para construir un cante que en los créditos aparece como malagueña, aunque bajo mi criterio dista de reunir las condiciones estéticas que definen cante tan hermoso y de tan difícil interpretación. Le falta redondez. En los tanguillos, sin embargo, es Cádiz en estado puro. El cantaor está gracioso y le da al cante un inconfundible aire de carnaval. Los fandangos nos parecen algo forzados -le falta soltar más la voz, dejarla libre y perder el miedo-, lo cual no los priva de emoción –sin llegar a las lágrimas- y de gusto en determinados tercios de las versiones que interpreta. En los cantes por soleá se nos antoja grande su verdad, canta con la jondura precisa, pastueño y grave. Nos gusta su voz matizada con mensajes directos al corazón. Es su mejor cante. En fin, si en las soleares es eco antiguo, en las chuflillas que cierran el disco es aire fresco de La Caleta para esta actualidad flamenca que a veces necesita ser removida por voces como la de Joaquín de Sola. Si van por el Festival de Jerez, no dejen de escucharlo.
Temas: 01. Amantes (Alegrías) 02. Carmela (Tientos) 03. Lumbre (Canción por Bulería) 04. Quiero estar solo (Malagueña del Canales) 05. Tanguillos económicos 06. Las Lágrimas (Fandangos) 07. En el pórtico (Soleá) 08. Mi amigo Genaro (Chuflillas de Cádiz). Cante: Joaquín de Sola. Guitarra: Adriano Lozano, Víctor Rosa, Juani de la Isla. Una producción de Carlos Rey y Juan A. Iglesias “Trysko” para Flamenco de la Isla. Producción ejecutiva: Javier Fernández. Grabado, mezclado y masterizado por Colin Preston y Javier de la Rosa en 2013.
NUEVO DISCO DE ABDÓN ALCARAZ
"Bolero Flamenco" que salió a distribución digital en octubre de 2013, y que presenté a nivel nacional en Junio de 2013 en el Festival de Jazz de San Javier. Disco grabado en los estudios de grabación Infiniti (Madrid) en el que, además de como compositor y ejecutante, me estreno como productor musical. Además un trabajo en el que he podido contar con excelentes colaboraciones tanto del mundo del Flamenco como del Jazz Latino, entre otros Jorge Pardo, Enrique Heredia "Negri", Jorge Reyes (Irakere), German Velazco (Irakere) y Toni Zenet.
A parte de en youtube puedes escuchar el disco en este enlace de Spotify: ![Foto+CD.jpg]()
La trayectoria del joven pianista gaditano Sergio Monroy comenzó a forjarse a temprana edad. A los diecisiete años ofreció su primer concierto al aire libre en la plaza del Mentidero –barrio en el que nació en 1980- e hizo su puesta de largo junto al cantaor Miguel Poveda en el año 2000 en la sala “Central Lechera”. Desde entonces ha girado por las principales salas y teatros de España, destacando sus actuaciones en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en el Festival de las Músicas Vivas de Vic (Barcelona), y en el desaparecido festival “Málaga en Flamenco” (2007). Fuera de nuestras fronteras, Sergio Monroy ha ofrecido conciertos en países como Cuba (invitado por Chucho Valdés), Inglaterra, Holanda, Alemania o Francia. Su afición al flamenco le ayuda a adquirir una buena formación musical en el conservatorio Manuel de Falla de Cádiz cursando estudios de piano de grado medio. También recibió clases de piano flamenco en Madrid de la mano del maestro Arturo Pavón. Ganador del primer premio “El Filón” del Festival Internacional del Cante de las Minas, ha sido finalista en la modalidad de piano flamenco de los Premios Nacionales de la Critica Flamenca (2004) por su primer trabajo “Monroy”. Quien siga la carrera de Sergio Monroy se sorprenderá con el giro dado a su música en este disco, “Como un juego”, su tercera obra en el mercado, pues si en los dos primeros, “Monroy” (2003) y “Chicuco” (2008), se nos descubrió como un pianista de fina sensibilidad flamenca, de técnica bien adquirida y de recursos musicales que buscaban la evolución sin dejar de mirar a los pianistas clásicos flamencos, Arturo Pavón principalmente, en esta última entrega su música deriva hacia formas más ligeras a base de baladas y rumbas que suenan más a Cuba que a Cádiz, aunque ya se sabe la intensa relación que existe entre ellas musicalmente hablando. Monroy pertenece a la nueva hornada de jóvenes músicos flamencos con un estilo muy personal que transita por los caminos del flamenco clásico y contemporáneo, fusionando estilos, en un permanente juego de intercambios con otras músicas con constantes guiños al jazz y a otras músicas que nada tienen que ver con el flamenco. Solo en algunos temas encontramos flamenco, ya sea más evolucionado o menos. Es el caso de la soleá que interpreta Antonio Reyes –cómo canta el chiclanero- o las bulerías que dan soporte rítmico en otro par de temas. Lo demás, ya digo, lo vemos fuera de la estética flamenca y del concepto musical al que nos tenía acostumbrados el pianista gaditano. No obstante lo anterior, el disco está bien construido, con participación de buenos músicos y unos arreglos adecuados a la música que se quiere ofrecer. Sin embargo, éste no es el nuevo disco que esperábamos los flamencos del joven pianista. Aunque ya sabemos –o eso es lo que excusan- por qué los artistas flamencos abandonan la música natural en la que se criaron. El mercado –léase discográficas y distribuidoras- quiere temas comerciales, fáciles de vender y digerir. Es lo que hay. Y si a lo anterior añadimos la sequía que asola la discografía flamenca, por la que nadie apuesta en la actualidad, pues entendemos las razones de estas grabaciones que aportar aportan poco, pero entretienen al personal, toda vez que su música nunca es inhóspita y de tanto en tanto emociona. El piano flamenco es un instrumento que en soledad carece de una gran atracción para el público no entendido, pero cuando deriva a músicas más livianas, lejanamente emparentadas con el flamenco, su mérito es más considerado por aquellos que solo aspiran a divertirse sin entrar en más honduras. De ahí, quizá, el resultado final de la obra, que no dice nada nuevo, pero nos priva del goce del estilo y la tensión jonda de Sergio Monroy, otro pianista al que parece que la música flamenca se le está quedando pequeña para expresar sus emociones.
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FARIÑA, cantaor natural del barrio onubense de Isla Chica, nos presenta su primer trabajo discográfico titulado “Roete”. Un disco que cuenta con todos los ingredientes para triunfar: una gran voz, la producción y dirección de Juan Carlos Romero, muy reconocido por sus producciones a Carmen Linares, Miguel Poveda o Arcángel, y el apoyo de músicos y cantaores de prestigio. “Roete” es un trabajo que contiene versiones originales de tangos, soleá, bulerías, alegrías o fandangos entre otros cantes tradicionales del flamenco, además de un bolero muy peculiar, “La leyenda del tiempo”, que constituye su primer single y su primer videoclip (incluido también en el CD) FARIÑA es un cantaor joven que se adentró en el mundo del flamenco de la mano, primero, de Antonio Jaraqueño y, de Tina Pavón, para acabar de formarse en la Fundación Cristina Heeren con los maestros Calixto Sánchez, Paco Taranto, José de la Tomasa o Esperanza Fernández.
1. Venga lo que viniere (tangos) 2. Del cielo llueven cristales (soleá) 4. La leyenda del tiempo (bolero) 5. Ve a buscarme a Huelva (fandangos) 6. Un 'puñao' de arena (granaína y media granaína) 7. Hilo blanco (alegrías) 8. Rimaran mi pena (caña y polo) 9. Huerto y oración (saeta) Una producción de Jesús de Fariña para Twolovers, con dirección y arreglos musicales de Juan Carlos Romero y la participación a la guitarra de Isidro Muñoz, Dani de Morón, Manuel de la Luz y Juan Carlos Romero. Editado por TWOLOVERS y distribuido por KARONTE
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JESÚS MÉNDEZ incluye en éste, su segundo disco, un repertorio de cantes flamencos de los más enjundiosos del rico acervo cantaor. Ya en 2008 en su primer disco editado con el título “Jerez Sin Fronteras”, nos adelantó las características fundamentales de sus estilo y maneras; brillante y flexible, poderoso, con un precioso metal de voz que recuerda los ecos de Caracol y La Paquera, y un firme propósito de conseguir destacar en este mundo el cante flamenco tan necesitado, en estos momentos, de auténticos referentes que sigan la estela de aquellos que fueron santo y seña de esta zona cantaora.
En esta ocasión y pese a su juventud, JESÚS MÉNDEZ nos demuestra que su afición y el estudio, al tiempo que actuaciones frecuentes por los más diversos escenarios, son el complemento perfecto a sus innatas cualidades. Es en definitiva, un proceso de madurez insólito por infrecuente, y esa madurez, factor clave en todo crecimiento artístico, queda plenamente reflejada en esta nueva grabación discográfica, en la que recuerda, dentro de los cánones de su propia personalidad, a grandes cantaores en los que se mira para no sólo beber de su magisterio, sino como homenaje a la admiración que les profesa, y al tiempo, demostrar el amplio registro que puede abordar desde una tesitura de voz en la que destacan fuerza, intensidad y emoción.Así, evoca a Chacón en la malagueña, solemne y musical, y aborda con ecos enduendados la siguiriya y cabal en homenaje al Sernita de Jerez. Un guiño al maestro de los Alcores en la soleá de Charamusco, regalo de un Mairena genial y enciclopédico. Y de nuevo Jerez, con el recuerdo al eco gitano y profundo de Chocolate en los Tarantos... y a Paquera, esa reina de los estilos festeros, que asfixia en el interminable alargamiento de los tercios que recoge para rematar cómo y cuando quiere, consecuencia de un poderío inigualable. Ese homenaje entrañable y cálido a Cuando sentí el frío de tus ojos grises, los míos ya fueron dos barcos sin faro...
Cuando en Jerez se sigue especulando sobre la diferencia entre el cantaor y artista, con tantos ejemplos de uno y otro signo, he aquí que tenemos un perfecto ejemplo de la verdadera y auténtica fusión de ambos conceptos. Efectivamente, en JESÚS MÉNDEZ, se vivifica y ejemplariza al cantaor que canta y suena a Jerez y al artista sensible, estudioso y comprometido con su arte. Este nuevo trabajo discográfico así lo ratifica. © Juan Salido Freyre, miembro de número de la Cátedra de Flamencología
FICHA DEL DISCO: Título: AÑORANZA
Formato: CD
Sello: CARTA BLANCA RECORDS REF.: MP003. DISTRIBUIDO POR KARONTE
Un disco producido y dirigido por Jesús Méndez
Cante: Jesús Méndez
Guitarras: Manuel Parrilla, Diego del Morao, Antonio Rey, Manuel Valencia y Miguel Salado.
Colaboración especial al cante: Juan Moneo “El Torta”
Coros: Londro
Piano: Miguel Ángel López “Lenon”
Percusión: Cepillo y Perico Navarro
Palmas: Carlos Grilo, Manuel Salado, Diego Montoya, José R. Salazar y Londro.
Temas:1. LA LUZ DE TUS OJOS (bulerías) 4:04
Letra y música: Antonio Gallardo
Guitarra: Antonio Rey
Palmas: Carlos Grilo, Diego Montoya y José Ramón Salazar
Coros: Miguel Soto “El Londro”
Percusión: Cepillo y Perico Navarro
2. SI PREGUNTAN POR QUIÉN DOBLAN (malagueñas) 4:06
Letra y música: Popular
Guitarra: Manuel Valencia
3. LA PUERTECITA DONDE YO ME ARRIMO (tangos) 3:23
Letra y música: Popular
Guitarra: Manuel Parrilla
Palmas: Carlos Grilo, Diego Montoya y Miguel Soto “El Londro”
4. QUÉ DOLOR DE MI SERNA (seguiriya) 6:11
Letra: José María Castaño / Música: Popular
Guitarra: Miguel Salado
5. MIS RECUERDOS DE CHARAMUSCO (soleá apolá) 4:30
Letra: Antonio Cruz García / Música: Popular
Guitarra: Diego del Morao
Palmas: Carlos Grilo y Diego Montoya
Percusión: Cepillo
6. COGE LA PLUMA Y ESCRIBE (taranto y jabera) 4:48
Letra: José Carrasco Domínguez, Popular / Música: Popular
Guitarra: Manuel Parrilla
Palmas: Cepillo y Perico Navarro
Percusión: Cepillo y Perico Navarro
7. SU VOZ CANTAORA (bulerías) 4:07
Letra y Música: David Lagos
Colaboración especial al cante: Juan Moneo “El Torta”
Guitarra: Diego del Morao
Palmas: Carlos Grilo, Manuel Salado, Diego Montoya, Perico Navarro y Cepillo
Percusión: Cepillo
8. DANDO VUELTAS EN LA CAMA (zambra) 3:52
Letra y Música: Antonio Gallardo
Piano: Miguel Ángel López “Lenon”
9. AL NATURAL (fandangos)
Letra: José Carrasco Domínguez, Popular / Música: Popular 3:05
Guitarra: Manuel Valencia
10. REY DEME USTED A MI PADRE (romance) 1:47
Letra y Música: Popular
MARÍA JOSÉ ABAD PRESENTA SU DISCO “A FLOR DE PIEL” EN LA DIPUTACIÓN PROVINCIAL DE CÓRDOBA
El próximo sábado día 20 de Abril la cantaora María José Abad de Córdoba, realizará la Presentación de su disco “A FLOR DE PIEL” en la Diputación Provincial de Córdoba a las 21 horas. El acto coincidirá con una cata de vinos de Montilla y Moriles. Y el salón de actos de dicho edificio cuenta con un aforo al que ya ha sobrepasado en gran exceso la demanda de entradas. En el disco se presentan diez temas: alegrías con título “Amanecer en Cai”, güajira, tangos titulados “En Aranjuez con mi amor”, cartageneras, milongas, bulerías llamadas “S.O.S”, granaínas, la buleria “María La Portuguesa”, colombianas y soleá. Un equilibrado abanico de cantes flamencos muy bien interpretados con la exquisita voz de María José Abad acompañada a la guitarra por Rafael Trenas y Rafa hijo, con la percusión de Miguel Santiago y Dani Morales y la flauta de Ana María Gutiérrez. El acordeón va de las manos de Belén Romero, al piano se encuentran Christian de Moret, Nick Abbis y Julián Sáez, el violonchelo de José Antonio Moyano y el tres cubano y bajo Christian de Moret. El disco ha sido masterizado por Nicola di Alma en sus estudios de Córdoba. María José Abad ha sido varias veces galardonada con Primeros Premios en el Concurso Nacional de Cante de Lo Ferro y tiene el “Sol de Plata” del Concurso Nacional de Cante “Ciudad del Sol” de Lorca 2012. Varias veces premiada en los concursos de saetas, es la saetera profesional más solicitada en su provincia de Córdoba y alrededores para cantar en la Exaltación de la Saeta, la Exaltación al Cristo de la Gracia, al Cristo de los Faroles y otros pasos procesionales. Ha actuado en multitud de eventos, en celebraciones de Congresos Médicos y en catas de vinos organizadas por Don Manuel Pimentel, Ex Ministro de Trabajo. María José Abad es una cantaora con una proyección ya imparable con cuya voz habrá que contar para historiar el flamenco del futuro más inminente. El Secretario de la Peña “Melón de Oro”. ANTONIO SOTO, cuenta en su haber con varios galardones entre los que destacan el Premio Nacional de Guitarra de Alhaurín de la Torre (Málaga) en 1992, el Premio Nacional Juan Carmona Habichuela de acompañamiento en el Festival de la Guitarra de Córdoba en 2001, y el Premio Bordón Minero en el Festival de Cante de las Minas de La Unión (Murcia) en 2002. Nació en Barcelona, el 2 de diciembre de 1966. Pertenece a una dinastía flamenca de gran reconocimiento en Málaga, donde reside. Por sus venas corre la sangre de La Pirula y La Cañeta, que por transmisión natural le legan el conocimiento de lo antiguo y auténtico. Inició su carrera artística a muy temprana edad en Barcelona y Madrid de la mano de Antonio Francisco Sierra y Andrés Batista. A los catorce años, inició una gira por los Emiratos Árabes acompañando a la bailaora Juana Ximenis, discípula de Carmen Amaya, para continuar su trayectoria en los tablaos flamencos de Los Tarantos, El Cordobés o el madrileño Venta del Gato, testigos de su impronta flamenca. Ha acompañado a Antonio Salas, primer bailarín de la Compañía de Antonio Gades, a la vez que tocaba en numerosos festivales y peñas acompañando a grandes cantaores como Rancapino, Chano Lobato o José Mercé. Desde 1997 es el guitarrista oficial de Fosforito. Habitualmente acompaña a Manuel El Agujetas, con el que debutó en el Teatro Albéniz de Madrid y con el que ha realizado numerosas giras por España y Alemania. En el año 2004 se editó su primer trabajo discográfico titulado "Pa'er Teto". Ahora en 2013, sale a la calle este segundo disco "Rosas Blancas", que contiene nueve composiciones propias que reúnen rumba, alegrías, bulerías, tanguillos, fandangos o bulerías por soleá, y donde Antonio se sumerge en la investigación de sonidos que incorpora a su jondura. Cante: Luís Perdiguero, Isabel Soto, Juanlu Marcelo y Suzette Moncrief Cajón y bajo: Francisco "El Fósil" Metales: Víctor Vallejo y "Tete" Palmas: A. Soto y Francisco "El Fósil" Producción musical: Antonio Soto y Francisco "El Fósil"
Es una producción de Fernando Rosado y Antonio Blanco para Cambayá/Karonte
02. Azul y plata (Alegrías) 03. Flamencona (Bulerías por soleá) 04. Rosas blancas (Bulerías) 05. Calle Gardopá (latiguillos) 06. Cuento pá Manué (Balada) 08. Gotitas de rocío (Fandangos) Por José Luís Ortiz Nuevo Esta obra magnífica de Gema Caballero y Pedro Barragán, completa con todos los demás que les acompañan y enriquecen, es un tributo, desde los albores del siglo XXI, a los cantes antiguos, a las formas que fijaron maestros de la cosa a lo último del XIX y comienzos del proceloso XX. Es un hermoso testimonio de veneración y conocimiento. Es una prueba más de cómo la juventud se acuerda de las fuentes y vuelve a ellas desde su potestad y su dominio. Es un sosegado ejercicio de arte, pulcro y medido, en armonía dulce la voz con las guitarras, las palmas y los otros instrumentos. Es un tratado de melancolía y de respeto. Es un repaso al canon desde la frescura que regenera las arrugas y las cicatrices del tiempo. Es seña de buen gusto y de humildad. Es un trabajo hecho a conciencia. Es antología y aún más acercándose a rastros del folclore patrio. Es límpido eco de un asombroso patrimonio musical con sello de clasicismo renovado. Es vuelo libre y reglado en las glorietas del recuerdo. Es homenaje también a las palabras mismas y a las sentencias de las frases: pensamientos hondos. Es culto a la sencilla belleza de lo natural con artificio de lamento. Es una excursión a las playas de la memoria. Es flamenco de cristal transparente y enseña brillos en las esquinas de la pena o del gozo. Es camino de hondas evocaciones. Es griterío y es quejío de mujer que canta. Es aprendizaje y pasión. Es afición. Es ternura. Nacida en Granada, desde muy joven empieza su afición por el flamenco en las academias de baile de su ciudad, que serán su primera escuela para el conocimiento del repertorio como cantaora. Interviene en distintos festivales y encuentros flamencos, compartiendo cartel con jóvenes artistas granadinos de su generación como, Estrella Morente o Marina Heredia. Ha participado y obtenido premios en distintos concursos, uno de ellos le proporcionó una beca para estudiar en la fundación Cristina Heeren de Sevilla, donde aprendió de maestros como Paco Taranto, Naranjito de Triana o José de la Tomasa. Su carrera profesional la ha desplegado como cantaora para el baile, formando parte de las compañías de Rocío Molina, Rafaela Carrasco, Manuel Liñán, Concha Jareño, Domingo Ortega, Antonio Márquez y Mario Maya entre otros. Como solista con un itinerario ya consolidado en Peñas, Festivales y Giras por todo el territorio español; Bienal de Sevilla, Bienal de Málaga, Nou Barris, Festival de Sabadell, Festival Voix de Femmes (Paris), Festival Música y Danza de Granada...Es directora musical y cantaora del espectáculo Zona Cero con la bailarina Sara Calero.
Las cualidades de su voz: amplio registro y excelente afinación le permiten utilizar una gran variedad de recursos vocales para interpretar los distintos palos del flamenco. Desde la línea melódica de las malagueñas y granaína a la fuerza expresiva de la soleá y la siguiriya, el cante de Gema recorre un amplio repertorio de cantes a los que sabe imprimir detalles personales. Además, su conocimiento de los clásicos, su ajustado compás y su entrega y coraje para perseguir y alcanzar los matices que reclama el buen cante, la sitúan dentro del selecto grupo que integra el circuito profesional del flamenco. LA VOZ FLAMENCA DE UN CANTAOR COMPROMETIDO
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Pensé en hacer una reseña del muy interesante libro-disco “Las voces que no callaron” de Juan Pinilla, pero finalmente escribí parte de la conferencia que impartí en la Universidad de Córdoba en el transcurso del seminario “El flamenco, compromiso social y político” sobre la memoria histórica del flamenco, en el que participaron, entre otros, los cantaores José Menese, Manuel Gerena y Paco Moyano. La ponencia coincide en lo esencial con el planteamiento de la obra del cantaor y escritor granadino, del que destacamos su propio concepto del cante flamenco y su compromiso ético y político con la sociedad de la que forma parte y con el tiempo que le ha tocado vivir. A ver si cunde el ejemplo.
La II República constituyó uno de los momentos de mayor expansión e innovación estética en las artes y en la cultura en general, algo a lo que no fue ajeno el flamenco. En general, el mundo del flamenco, que era considerado “arte del pueblo”, celebró con entusiasmo el advenimiento de la República, los espectáculos de la ópera flamenca triunfaban con figuras de la talla de la Niña de los Peines, Manuel Vallejo o Pepe Marchena, que estaban en un momento esplendente, y la guitarra flamenca de concierto, personificada en Ramón Montoya, triunfaba en París.
Desde un punto de vista lúdico-social, el nuevo género musical se incorpora como una forma más de la cultura de masas, como espectáculos para grandes auditorios tal ocurría con los conciertos de ópera flamenca en plazas de toros y teatros.
En lo político, el flamenco vivió el mismo dilema que el resto de la sociedad: unos a favor y otros en contra. Sin embargo, aunque los artistas no se significaron mucho, algunos se atrevieron a cantar coplas que exaltaban el nuevo régimen y a sus héroes. De todos, quizá sería Manuel Vallejo el que más claramente apostó por la República, a través de una serie de grabaciones llamadas en las placas de pizarra "fandangos republicanos", que luego seguirían otros. Desde el Bizco Amate hasta el citado Vallejo, pasando por el Niño de la Huerta, Guerrita, Niño Fanegas, José Cepero, Corruco de Algeciras y Angelillo, cantaron estos fandangos de claro compromiso con el nuevo sistema instaurado el 14 d abril de 1931. No obstante lo anterior, lo general era la asepsia política entre los artistas flamencos. Es decir, que, como siempre han hecho, se fueron adaptando a uno u otro bando, según venían los tiempos. Derrocada la República, tras el golpe de estado de los militares y tres sangrientos años de guerra civil, durante los primeros años del franquismo se miró con recelo al mundo del flamenco; los nuevos gobernantes no tenían muy claro si esa manifestación cultural podría derivar en una conciencia nacionalista, aspecto este que tanto significaba para las autoridades del nuevo régimen. Con el tiempo se adoptó una actitud conciliada por la cual a la copla andaluza, género muy emparentado con el cante flamenco surgido a partir de la sublimación y desarrollo de determinados estilos, se le acabó denominando “canción española” y se impuso como género musical dominante en todo el país. De ahí, la visión estereotipada del llamado “nacional-flamenquismo” franquista, que en el mejor de los casos durante la postguerra y la mayor parte de la dictadura significó la exclusión y la escasez, cuando no el exilio, para algunos artistas flamencos famosos y menos conocidos como hemos apuntado anteriormente.
La depuración y la represión por parte del franquismo determinaron asimismo el punto de partida de un notable rechazo hacia el flamenco profesionalizado, que agravaría la crisis del género en la época, pues si exceptuamos a las grandes figuras la gran mayoría malvivía de las fiestas de los señoritos en las que cantaban por lo que les quisieran dar, generalmente tarde y mal. Todos eran considerados aficionados, más que nada para evitar tener que pagarles de acuerdo con su valía. De ahí, seguramente, que la palabra aficionado -cuyo significado peyorativo llega hasta nuestros días- denote entre los artistas una diferencia a la baja.
Un símbolo -que todavía permanece en algunos bares y tabernas- de la consideración en la que se tenía al flamenco era aquel cartelito colgado de la pared, bien visible, que decía “Se prohíbe el cante”. En los años cuarenta y cincuenta del siglo pasado, el franquismo utilizó el flamenco para imponer una imagen uniforme de la cultura española.
No era ni la primera ni la última vez que el arte jondo se usaba con fines ideológicos explícitos. No nos engañemos, a lo largo de la dictadura franquista la mayoría de los artistas flamencos aceptaron la nueva situación política o fueron adeptos al régimen, contribuyendo en muchos casos a su mantenimiento en lo cultural y en lo identitario, cuando no claramente defensores de sus valores: fue el caso de Caracol y Lola Flores o de Juanito Valderrama. Quizá no fueran conscientes políticamente, pero a eso contribuyeron. Estaban a gusto con Franco y nunca lo negaron. Otros, como ya hemos visto, se autoexiliaron, aunque una vez pasados los años más duros de la dictadura –si es que tuvo alguno blando- volvieron para triunfar en su país. Aunque el cante flamenco no fue nunca altavoz de ninguna bandería política, sí es cierto que a veces ha sido utilizado como una forma de protesta. Así ocurrió en la declinación de la dictadura franquista, tiempo durante el cual determinados cantaores fueron puros instrumentos de opciones políticas de izquierda que, sin creer ni entender al flamenco, utilizaron su poder de convocatoria y comunicación entre la nueva intelectualidad para contribuir a la consecución de un objetivo que, en definitiva, era el mismo de casi todos: derribar la dictadura. Este fenómeno político-social, sin embargo, tuvo mucho más eco entre el mundo universitario progresista que entre otros colectivos sociales. Y, por supuesto, insignificante entre el llamado mundo flamenco —generalmente conservador—, incluidos la gran mayoría de cantaores, que a pesar de las fatiguitas que pasaban, y que pasan, nunca han visto en su cante una forma de protesta colectiva ni individual, porque el artista flamenco, incluso hoy, ha aceptado consciente o inconscientemente la alienación y el sometimiento como algo natural, de donde se puede salir únicamente de manera individual, condición consustancial al propio cante flamenco, triunfando hasta llegar a suplantar la figura del dominador, para dejar, así, de ser el dominado. Es verdad que había que comer y que entonces como ahora la comida estaba donde estaba el poder o en sus aledaños. Pero no lo es menos que a ellos jamás les preocupó algo más que no fuera su carrera artística y el sobrevivir diario. Además, el régimen, que no era tonto, mantenía un trato de favor con determinados artistas pues sabía que los necesitaba para darle lustre al negro panorama cultural y musical que cuando entonces se podía contemplar. En aquellos inicios del cante protesta, ya en las postrimerías del franquismo –pero con Franco aún vivo y fusilando-, determinados cantaores alzaron su voz flamenca para ayudar al derrocamiento de la dictadura; pero fueron tan pocos que se pueden nombrar. Tomemos los más señalados: José Menese, Manuel Gerena, Paco Moyano, Enrique Morente y Manuel Jiménez Rejano; aunque no todos en la misma medida ni con la misma intensidad. Ni, por supuesto, con el mismo nivel de compromiso. Así, mientras Menese, Gerena y Morente fueron instrumentos de opciones políticas de izquierda –Partido Comunista principalmente-, el granadino Paco Moyano prestó su voz a la extrema izquierda y el cordobés Manuel Jiménez Rejano se convirtió en la voz de la emigración, más movida por la nostalgia que por una verdadera conciencia política de enfrentamiento a Franco; aunque no debamos olvidar que su condición de emigrante le añadía mérito a su protesta, que en realidad era una mera transmisión de las letras populistas que le escribía Juan Rueda, hombre del flamenco en Cataluña y productor discográfico de la casa Belter. Si bien Morente se significó por sus posturas izquierdistas, su compromiso no fue explícito, salvo en hechos concretos cual fue el caso de grabar el disco de homenaje a Miguel Hernández o su actuación en el colegio mayor San Juan Evangelista –el legendario “Johnny”-, (1973) con Carrero Blanco de cuerpo presente, que le costó una multa y la visita a las dependencias policiales por un cante tradicional por tientos cargado de intencionalidad. Quizá por eso, fuera de Madrid, donde ya era un ídolo, tuvo escaso eco o fue claramente rechazado. Sin embargo, tanto Menese como Gerena se convirtieron en verdaderos símbolos de la lucha antifranquista de la mano de intelectuales y poetas militantes del PCE: Francisco Moreno Galván fue el mentor del joven José Menese en Madrid y Blas de Otero o Alberti hicieron lo propio con el también cantaor morisco Manuel Gerena. El compromiso de Menese llegó a ser tan grande que con letra del pintor y poeta de La Puebla de Cazalla atacó a una de las bandas parapoliciales[1] que entonces era de las más temidas por quienes corríamos delante de los “grises” en las manifestaciones: la conocida como “Guerrilleros de Cristo Rey”. Con un cante por bamberas, grabado en 1974, José Menese y Francisco Moreno Galván retrataban a los Guerrilleros de Cristo Rey de manera sutil y contundente. Como diría el refrán: muerto el perro, se acabó la rabia. Y eso fue lo que ocurrió tras la muerte de Franco, que el cante protesta fue desapareciendo poco a poco pues ya no tenía sentido como tal. De modo que, los cantaores volvieron a su labor, que era el flamenco de siempre y los políticos a la suya, que era construir un país democrático. Todo lo cual trajo como consecuencia que alguno de aquellos artistas, cual fue el caso de Manuel Gerena, perdiera nombre y popularidad toda vez que la razón principal de su cante había desparecido. Y puesto que su valía como cantaor flamenco era considerada menor entre los aficionados de siempre, pues empezó a desaparecer de los circuitos habituales y apenas si era convocado a peñas, festivales o espectáculos de la época. Con todo, sigue en activo cantando y escribiendo. Sin embargo, otro caso como el de El Cabrero, cuyo papel durante la dictadura fue menor, es bien distinto: después de su estancia en el grupo La Cuadra, se nos descubrió como un cantaor de corte clásico, defensor de los estilos canónicos y ganador sorpresivo en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba ( soleá y malagueñas,1980); pero inconformista en la forma y en el fondo: su vestimenta de color negro, su sempiterno sombrero, sus ademanes de hombre de campo, pues su profesión siempre fue la de pastor de cabras, y sus letras incendiarias y ocurrentes, exentas de toda poética, pero acertadas en su mensaje, levantaban –y levantan- a un público variopinto dentro y fuera de Andalucía. Y así hasta hoy, que sigue teniendo, sobre todo en las zonas rurales, una legión de seguidores que lo mismo le piden que cante fandangos por enésima vez que le regalan un cencerro para alguna de sus cabras. Entre otras cosas, lleva a gala haber sido el único artista flamenco que en plena democracia fue encarcelado por expresarse libremente, en este caso cuando respondió a un grupo de espectadores guasosos cagándose en Dios durante una actuación en Alcolea, un pueblo de Córdoba. Sus gestos populistas, junto a sus formas cantaoras que buscan la esencia de un primitivismo salvaje, han conseguido que en la actualidad sea uno de los cantaores más solicitados en los festivales veraniegos. Fuera de España, especialmente en Francia, su exotismo le hace ser muy conocido. Empero, en pleno siglo XXI, hay razones de sobra para seguir alzando la voz en esta democracia injusta e insolidaria, pero casi nadie, que yo sepa, ha introducido letras que hagan alusión a la situación actual que tiene mucho que criticar. Si exceptuamos a artistas como Juan Pinilla, de los pocos que mantienen un compromiso político explícito, raramente se versionan en clave flamenca textos de cantautores o poetas comprometidos. El caso de José Mercé, cuyo compromiso es nulo, que incorpora a su repertorio textos de Manu Chao o Miguel Hernández, no es paradigmático. En este sentido, los artistas prefieren echar mano de las letras de siempre para los estilos por los que se han cantado siempre.
Y es que, como decía el maestro Manuel Vázquez Montalbán: “Contra Franco vivíamos mejor”
[1] En los últimos años de la dictadura, además del terror propagado desde el estado a base de represión y condenas a muerte, proliferaron los grupos terroristas de extrema derecha. El Batallón Vasco Español, la Alianza Apostólica Anticomunista (conocida popularmente como “Triple A”), los Grupos Armados Españoles y los Guerrilleros de Cristo Rey fueron los más conocidos.
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JESÚS DE ROSARIO nació en Madrid, en el barrio de Cañorroto. A los 5 años comenzó a tocar la guitarra de la mano de su padre, "El Entri". Con tan solo 9 años participó en el Concurso de Talentos Internacionales de la T.V. Noruega, y 2 años después ya participaba en las compañías de Paco Peña y Luisillo, haciendo numerosas giras por toda Europa. A sus 15 años entró a formar parte de la compañía de Antonio Canales tocando en Sudamérica y Europa. Más tarde, con la bailaora Merche Esmeralda, colaboró en la creación del espectáculo "Mujeres" como director musical. Ha tocado para figuras del baile como: "El Güito", Juan Ramírez, Adrián Galla, Joaquín Cortés, José Maya, Rafael Amargo, Carmen Cortés, Juan de Juan, Eva la Hierbabuena, la Totea, Juana Amaya, Miguel Toteo. También ha tocado a figuras del cante como: Potito, Diego "El Cigala", Miguel "El Rubio", José Mercé, Carmen Linares, Enrique Morente, Montse Cortés, Remedios Amaya, Duquende...
En 1998 creó la música para los espectáculos "Sensaciones" y "Sueños" de Sara Baras con la que realizó diversas giras por Europa y EEUU. En el 2000 compuso la música para la triple galardonada "Juana la Loca", que se estrenó en la Bienal de Flamenco de Sevilla, con gran éxito nacional. Ha compuesto también música para los espectáculos "Minotauro", de Antonio Canales, "La puerta del silencio", de Carmen Cortés, y "Frente a frente" de Juan de Juan. Ha colaborado en los discos "Cuando el río suena" y "Brillo de la luna" del cantaor Guadiana, "Mírame" de Mercedes Cortés, "Caído del cielo" de Pepe Luis Carmona o "Sembrando inquietudes" de Ramón Jiménez. Dirigió y produjo "Juana la Loca" y “Vivir por amor" de Sara Baras. Participó como solista en "La nueva escuela de guitarra flamenca", nominado como mejor disco en los premios Grammy Latinos de 2003. En el año 2005 publicó su primer disco titulado "Sin tanto" con el que ganó el Premio al Mejor Disco de Guitarra Solista Revelación, otorgado por los Premios Flamenco Hoy que concede la crítica de flamenco, en el que contaba con las colaboraciones de Tomatito, Guadiana, Antonio Carmona, Sara Baras, "Paquete"... Ahora, en 2012, JESÚS DE ROSARIO nos ofrece "Aquí te espero" su segundo trabajo discográfico. Rumba, bulería, tangos, soleá, taranta... ocho temas de composición propia y una versión del bello tema de Ennio Morricone "Cinema Paradiso", que aquí Jesús renombra como "Cinema Paradiso Flamenco". Y acompañando a Jesús en este nuevo trabajo, numerosos y valiosos músicos y cantaores, como María Toledo, Miguel de la Tolea, Juan Antonio Salazar, los hermanos Losada, Juañares, Antonio "El Piculabe", Mari Ángeles Fernández, Samara Losada y Piraña, entre otros. Temas: Rumba, soleá, tangos, bulería, rumba, bulería, taranta, bulería Edición y distribución: Karonte Producción musical: Jesús de Rosario Grabado en Estudios Caño Roto Mezclado y masterizado por Óscar Herrador
Por Miguel Ángel González Tras haber probado su solvencia en el cante por derecho a través de las malagueñas y seguiriyas registradas en la grabación colectiva Jóvenes Flamencos, patrocinada por la Diputación de Granada el año 2009, el bien dotado cantaor Álvaro Rodríguez se atreve a afrontar una obra más personal e incluso rupturista con Venero, su primer disco en solitario. Es así que tangos, alegrías, bulerías suenan en forma decididamente vanguardista, inusual, con músicas y letras de nuevo cuño, las más de Las veces cosecha del propio Álvaro. Esta inquietud por la innovación alcanza su punto álgido en las molineras tituladas Ricos collares, sin duda la aportación más singular del novel artista, que compone una música con perceptible inspiración en la de las marianas, pero que acusa así mismo ecos de nana y de temporera, para cantar añejas coplas recogidas de labios de su abuela, molinera de oficio en su juventud, ingenuas unas, pícaras, divertidas otras, mas impregnadas todas ellas de la sencillez y el candor inimitables que caracterizan a la expresión poética popular. "Hay que hacer cosas nuevas, aunque nos equivoquemos; ya vendrá el tiempo a decir lo que tiene que quedar", declaraba Paco de Lucía hace más de treinta años; una opinión compartida por el autor de este disco, a juzgar por los temas en él incluidos. A la espera del inapelable y siempre imprevisible dictamen invocado por el algecireño, reconforta, con todo, el comprobar cómo Álvaro asienta parte de los cantes que aquí nos brinda sobre modelos ejemplares de antaño y hogaño. Reconforta, digo, porque, sin conocer y tener de continuo en mente a los grandes artífices, no se concibe renovación artística alguna en el sentido noble del término. Surge, por tanto, este Venero pretendiendo serlo, al mismo tiempo, de aires nuevos y del recuerdo de los antiguos, sin cuyo legado el flamenco sería inimaginable; todo género de flamenco; desde el más conservador al más revolucionario. -^ Movido por dicha intención, Álvaro escoge los cantes por granaínas que hacía Bernardo el de los Lobitos, tan infrecuentes de escuchar hoy día, con la novedad de ofrecernos el segundo de ellos a toque abandolao, sustentado a contratiempo por la diligente guitarra de Rubén Campos, pero atento a la enseñanza del maestro de Alcalá de Guadaira. Del mismo modo, el aficionado detectará estilos seguiriyeros de irreprochable ortodoxia (Silverio Franconetti, Curro Durse, Cobitos), sometidos empero a un tratamiento insólito incorporado por otro clásico, éste vivo y en toda su plenitud creativa hasta el triste 13 de diciembre pasado, en que su desaparición llenó de atónito dolor al mundo flamenco. Me refiero, claro está, a Enrique Morente que, como es sabido, imprimía un ritmo marcadamente acelerado al cante por seguiriyas en Negra, sí tú supieras, secundado por el guitarrista Pepe Habichuela. Con ciertas modificaciones melódicas, entre otras un mayor alargamiento de los tercios, encara Álvaro el antiquísimo Romance de Zaide; no a palo seco, a la vieja usanza, como lo grabara el Chozas de Jerez, sino acompañado por la guitarra a compás de balería por soleá, es decir, en una senda deudora de la seguida décadas atrás por Antonio Mairena para su interpretación de otros romances como el del Conde Sol o el de la Conquista de Alhama. En el corte octavo, la breve introducción modernista se repite a guisa de colofón de una serie de fandangos que se decantan por el gusto onubense. La colorista instrumentación de unos palos parece buscar el contraste con la parquedad de acompañamiento de otros, en especial de las soleares finales, dichas al modo más desnudo y sobrio, como evocando un cante íntimo, de puertas adentro, al son marcado por los nudillos sobre la mesa o el mostrador tabernario. Se trata de un grupo de soleares apelas muy vinculadas a Granada por una u otra razón. Tal la de Antonio Silva el Portugués, quizá procedente del mítico Silverio, o al menos de su escuela, a través de su discípula Dolores la Parrala, que a su vez fue maestra del cantaor de Castilleja de la Cuesta. Soleares, sea como fuere, cuya transmisión más fidedigna la debemos al granadino de adopción Manuel Celestino Cobos, Cobitos, que las aprendió del propio Antonio el Portugués en el curso de una gira por Andalucía realizada en 1918. Para concluir señalaré que la devoción por Morente, presente y aun expresa en casi todo el conjunto de esta obra, se hace notar de manera más inequívoca que nunca en los dos estilos que completan el bloque solearero que aquí comento, muy en particular en el último de ellos, atribuido por Mairena a José Loreto Romero, Charamusco, en su álbum El calor de mis recuerdos, y que fue grabado años antes por Enrique en el suyo Despegando.
"40 AÑOS, Y SIGO APRENDIENDO" . SABOR, SABER, SABIDURÍA
Por Pepe Gelardo - Murcia 2012 "40 años, y sigo aprendiendo": un título y un significado que nos puede servir para el andar diario, para la vida y para el ejercicio honrado de! arte y del trabajo. Dijo un filósofo que comprender la vida era saber mirar hacia atrás. Vivirla, saber mirar hacia adelante. Curro Lucena, cantaor y filósofo andaluz y flamenco, dice lo mismo con menos palabras. Resume así su quehacer artístico: "40 años y sigo aprendiendo". Retrata con este trabajo los 40 años transcurridos desde su primer disco. Curro pregona la sabiduría pasada, presente y futura en el arte del saber y aprender continuamente; y de este modesto y laborioso saber y aprender llegamos a su sabor flamenco, rancio, viejo y nuevo, firme y honrado. Hemos de felicitar a Curro Lucena por su permanente puesta al día, demostrando así que el flamenco es un arte dinámico y vivo. Gracias, Curro, por el gusto en la elección de las letras, reivindicando la flamencura de Antonio Machado, quien también escribió: "Pero yo he visto beber/ hasta en los charcos del suelo / ¡caprichos tiene la sed!". Gracias, Curro, por esa renovadora recreación y por esa brillante joya de la petenera de La Rubia y por su acompañamiento. Gracias por los ecos del Pinto de algunos cantes (Mí niña Lola); por esas estupendas soleares de Cádiz. Gracias, Curro, por tu disco entero, por tu voz dura, de piedra, de tierra, por tu voz sabia. Gracias a la flamenquísima guitarra ajustada y acompasada de Ángel Mata.
Por Miguel Ángel González Hacerlo todo, y hacerlo todo bien, se diría empresa más propia de dioses que de hombres. Algunos (contadísimos, ni que decir tiene) artistas flamencos lo consiguen, y los aficionados decimos de ellos que son reondos. Manuel Celestino Cobos, más conocido por Cobitos en el mundo flamenco, era un cantaor reondo: dominaba todos los palos y en todos y cada uno de ellos se revelaba consumado maestro por su gusto exquisito, su profundo conocimiento y su personalidad inconfundible. De voz cortita pero dulcísima y dueño de un infalible sentido de la afinación, si alguna vez adquiría pleno sentido el certero dictamen de Caracol "el cante no es para sordos" era escuchando a Cobitos. Largo y puro como pocos en los aires de Levante, cantes de las minas, malagueñas, granaínas; seguiriyero estremecedor, de jondura y sabiduría excepcionales; gran solearero, transmisor fiel de añejas formas; fino estilista por fandangos..., Manuel fue referencia de primer orden para artistas de la talla del llorado Enrique Morente, por citar el ejemplo más sobresaliente. Jerezano de cuna y granadino de adopción, Cobitos nació en las postrimerías del siglo XIX, el 10 de agosto de 1896. y falleció el 22 de febrero de 1986. Su longevidad y su precoz acceso a la profesionalidad, cuando apenas contaba dieciséis años de edad, le permitieron intervenir en todos los escenarios y vivir prácticamente todas las etapas del flamenco que hoy conocemos: cafés cantantes, época teatral, concurso de 1922, festivales, peñas, certámenes, ventas, tabernas, fiestas privadas, etcétera. Tan ingente memoria en primera persona, más su íntimo contacto con la mayor parte de las figuras míticas de la Edad de Oro del cante, hacían de Manuel Celestino una verdadera crónica viva de la historia del flamenco. Y sin embargo Enrique Morente, que tanto gustaba y tanto aprendió de él, solía lamentarse con toda justicia de que un cantaor de la grandeza de Cobitos únicamente fuese conocido y valorado acorde con sus merecimientos entre "los aficionados granadinos. .. y buenos." Ha sido, por tanto, motivo de profunda satisfacción el comprobar, durante la preparación y rodaje de este documental, que la semilla sembrada por el maestro no ha caído en terreno baldío. Jóvenes pero muy prometedores aficionados, incipientes cantaores y tocaores muestran hoy auténtica veneración por la figura de aquel artista admirable, a quien no llegaron a conocer, a través de la enseñanza que sus grabaciones nos han transmitido. Juan Pinilla, Álvaro Rodríguez. Esther Crisol, Ana Mochón. Iván el Centenlllo y Sergio el Colorao, al cante. Luís Mariano y Antonio la Luz, a la guitarra, se sumaron con ilusión al proyecto tan pronto se les propuso tornar parte en él. Otros no menos entusiastas hubieron de quedar fuera. El legado y el recuerdo que debemos a Cobitos parecen, pues, asegurados. Esperemos que el aniversario de su muerte, que conmemoramos con esta grabación, marque el saldo de una deuda de gratitud que no puede ni debe esperar más.
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Conocí a nuestro cantaor allá por los primeros ochenta del siglo XX en Hospitalet de LLobregat en la Peña Flamenca Antonio Mairena. Nacido en Barcelona en 1975, José Antonio Valencia Vargas se traslada con ocho años a Lebrija. Emparentado con familias cantaoras como las de Tío Borrico, El Funi o Manuel de Paula, comenzó su carrera siendo un niño, con el nombre de “Joselito de Lebrija”, en los escenarios de las peñas catalanas de la mano de su tío Luís de Lebrija. Con cinco años participó en su primer festival donde se dieron cita algunos de los más grandes artistas del momento, como Diego del Gastor, Lebrijano o Camarón. Causó tan buena impresión que hasta el propio Antonio Mairena se interesó por él para darle los primeros consejos. Tiene, entre otros, el premio por soleá del concurso de Mairena, que ganó con 12 años, y el de “Artista Revelación” de la Bienal de Sevilla del 2004. En la Peña El Taranto de Almería debutó con diecisiete años de la mano del guitarrista Pedro Bacán. Su sentido del compás y su voz poderosa han hecho que bailaores del momento, como Farruquito, Antonio Canales, Rafael Campallo, Antonio “El Pipa”, Joaquín Grilo, Javier Latorre y Andrés Marín, entre otros, lo reclamen para “cantar atrás”. Sin embargo, aunque es un cantaor muy valorado y solicitado por los mejores artistas del baile, lo suyo es el “cante alante” y a esa faceta debe dedicar sus mayores esfuerzos. Joven pero con las ideas muy claras, se está haciendo de un nombre y tiene el reconocimiento de la afición por lo que es hoy: un cantaor serio y profesional, versátil, conocedor y valiente, que dice el cante verdad. Su cante está limpio de falsas alharacas y recursos fáciles. Es el cante de siempre interpretado por una voz fresca, que transmite y emociona. En este cantaor encontramos los ecos de los viejos gitanos de Utrera y Lebrija, unas formas cantaoras casi en desuso si exceptuamos la tierra donde se crió y aprendió de sus mayores, porque José Valencia es partidario de la tradición y la esencia. Su expresión gitana, su voz recia y flamenca y su modo de encarar los tercios lo hacen distinto a otros artistas de su generación, porque es cantaor que no debiera ser adscrito a una corriente artística concreta por cuanto su escuela es personal: su insobornable concepto del cante define su inconfundible estética cantaora. Con todo, a pesar de toda esa gloriosa historia, nos parece que se está descubriendo ahora a José Valencia por parte de los nuevos aficionados, que parecen reclamar una vuelta al cante de siempre. O seguramente se trate de un redescubrimiento de la afición en general en esa necesaria e imprescindible búsqueda de lo insondable. Todo pudiera ser. El cante único e imperecedero invita siempre al recogimiento y a la emoción. Y provoca los sentimientos de lo que no tiene nombre ni se puede tocar, pues sólo el alma lo conoce. Eso es lo que encontramos en su primera entrega discográfica, cante flamenco interpretado de acuerdo a los cánones clásicos, pero sin olvidar que estamos en el siglo XXI. En “Sólo Flamenco” (Cambayá - Karonte, 2012) nueve cantes evidencian la grandeza cantaora de quien los interpreta y conforman un hermoso mosaico que recoge los variados colores flamencos de Andalucía con intensidad, con dramatismo y alegría, con compás y ritmo, con esplendente jondura. Arropado por las guitarras de Juan Requena, Salvador Gutiérrez, Eugenio Iglesias y Manuel Parrilla; y el compás de las palmas y los jaleos de Bobote, Carlos Grilo, El Penka, El Reke, Tío Justito, Manuel de Paula y Manuel Vargas “El Sordo”, que con la voz forman los tres elementos capitales de la música flamenca, ha logrado resumir el eco flamenco de sus maestros y de su tierra, de la que él es paradigma como recopilador de la tradición oral y familiar, característica del flamenco que desgraciadamente se está perdiendo. Por eso, se nos antoja necesario escuchar a este artista hecho a fuerza de estudio y de trabajo, de muchos sacrificios y una afición a prueba de sinsabores que define a quien es y se siente cantaor flamenco.
Nosotros venimos brotando del manantial de las guitarras acogidas por el pueblo, y cada poeta que muere, deja en manos de otro, como una herencia, un instrumento que viene rodando desde la eternidad de la nada a nuestro corazón esparcido. (Miguel Hernández, prólogo a “Viento del pueblo”) Por los años treinta escribía José Antonio Muñoz Rojas: "Yo cantarte no sé. / Yo sé decirte lluvia, / o tierra, o desazón, olivo / hundiendo su raíz / en mí, mi aire / por sus ramas". En verso pedía a su amada como una disculpa por no saber cantarle, y traía en sus palabras el campo entero para ella. Muñoz Rojas nunca hablaba de música, sintiéndose atrapado por otras melodías: las de sus clásicos, las del paso silencioso de las estaciones. Pero en ocasiones me habló sobre la importancia de que los grandes poetas dejaran caer sus versos, cantados, en oídos de una mayoría, y no de una minoría: Para que algo quede de este latir, para que, si alguien quiere mirarse, pueda; para calmar quizá alguna sed, y que alguien diga "a mí me pasó algo semejante". Los poetas estamos para eso: para ofrecerles tránsito a los demás (...) Aunque casi pretendió toda su vida pasar desapercibido, aquella idea le sonaba cercana por amigos como Vicente Aleixandre, a quien Miguel Hernández dedicara su Viento del pueblo. Su contemporáneo Manuel Machado inmortalizó la idea: Procura tú que tus coplas
aunque dejen de ser tuyas Precisamente Luis Perdiguero prefiere de la obra de Muñoz Rojas estrofas de tipo popular, alternando poemas o fragmentos y entremezclando de unos libros y de otros coplas, romances y soledades. Son idóneos estos moldes para los palos que canta: alegrías, abandolaos, seguirillas, soleares... Para malagueñas y tarantos, seis versos tomados de un romance del poeta hacen las veces de una letra propia. Canta los versos, los lanza, casi los borra y sobrescribe en el remanso infinito del melisma, y resulta en el fondo un trino inseparable: la copla o el romance machadianos del poeta, la guitarra pura, clásica y limpia, y la voz gitana y volcada, como una noche de agosto, del cantaor. cuando tuve la ocurrencia Los versos escogidos aquí pertenecen a los primeros libros de Muñoz Rojas. La inocencia de "Versos de retorno", poemario que escribiera con sólo 19 años, se intercala con fragmentos del "Romance de Don Sebastián, Rey de Bastos" (ca. 1960), divertimiento fantástico, o con las distintas coplas que de otra forma sintió el cantaor Miguel Poveda, pertenecientes al Cancionero de la Casería (1938-1951). También se versionan partes de los poemas "Amor, ¡oh, pluma!" (Canciones, 1933- 1940) y El Calvario" (Al dulce son de Dios, 1936-1945). Quizá ante esta valiente apuesta merece la pena recordar algunas nociones sobre el flamenco y la poesía que puedan acercarse a la verdad. La consolidación histórica del flamenco se produce durante la cultura barroca, en un doble cauce de la cultura clásica española hasta el Siglo de Oro y la tradición morisca de raíces orientales. Cuando esas raíces enmestizadas del lenguaje morisco (con ese adorno melismático de las palabras cantadas) se mezclan con lo gitano y popular, el melisma se agudiza hasta hacer que la sílaba pura de un poeta se evapore, se disipe, se desgrane, hasta quedar apenas su eco. Recordamos que el melisma (que en griego significa "canto o melodía"), consiste en la sucesión de varias notas en una misma sílaba, que se alarga produciendo, como define María Moliner, un efecto de gorjeo. Cuando la obra de un poeta pasa al flamenco, formalmente puede dejar de ser lo que es, y el melisma puede retardar o alterar el ritmo poético, creándose un nuevo orden donde el poema se reinventa y donde sin embargo, el mensaje queda intacto (escúchense como ejemplo magistral los cantes de Diego Clavel). Porque nace el flamenco como una expresión artística de rebeldía, una corriente dionisiaca acunada en un principio entre clases marginales, poco instruidas en el lenguaje escrito, es en esencia arte de transmisión oral. Y la poesía se origina tal vez de un instinto de rebeldía: hacia uno mismo, hacia el amor, la vida, la muerte. Si además el flamenco nace en una época de convulsión del clasicismo, donde se está produciendo una ruptura con lo apolíneo, con lo armónico y ordenado, esa rebeldía halla su hueco en el primitivo cante jondo, donde pueden expresarse pasiones sin atadura, verdades abiertas: ... y a mis ojos deles muerte Voz machadiana y melisma, realidad y sueño, sobriedad y adornos, la poesía de José Antonio Muñoz Rojas cobra otro aire en el cante de Luis Perdiguero. Todo hace que en este disco encaje la poesía más joven de uno de nuestros clásicos con la sobriedad y la hondura del flamenco. Temas: Malagueñas, Abandolao, Soleá, Bulerías por Soleá, Alegrías, Tarantos, Bulerías, Tientos, Seguiriya, Romance. Músicos: LUIS PERDIGUERO cante, ANTONIO CARRIÓN guitarra, ANTONIO CARMONA y JOSÉ CARMONA palmas y jaleos. Producido por ANTONIO BLANCO para Cambayá-Karonte Luis Perdiguero nace en Málaga en 1979, aunque sus raíces cantaoras le provienen de Jerez, ya que es familia de los "Paulera", siendo a la vez biznieto de tía Anica "La Periñaca". Empieza en el mundo del cante flamenco a los 5 años, en un festival celebrado en Ronda homenaje a Juan Orillo, hermano de Alonso Núñez "Rancapinos", dándose cita en él Chano Lobato, Juan Villar, Juana la del Revuelo, Fernanda y Bernarda, Pansequito... entre otros. En ese festival, ya de madrugada, le hacen subir a cantar un poquito por bulerías, con la guitarra de Manolo Domínguez, poniendo al público en pie. A partir de ahí, empieza a ir a concentraciones flamencas, fiestas, reuniones, etc. Ya a los 17 años, se plantea de forma más profesional adentrarse en el bonito mundo del flamenco. A raíz de ahí comienza a moverse por gran parte de la geografía andaluza, española y mundial (concretamente en sitios como Bruselas, Francia, Argentina...) Más adelante decide subir a Madrid y actúa en varios sitios de la capital, estableciendo contactos con artistas como "Rancapinos" o Fernando Terremoto entre otros. También ha actuado junto a Carmen Linares, Chocolate o Remedios Amaya en teatros y festivales alternando con su participación en concursos de cante flamenco en los que ha obtenido numerosos e importantes premios en lugares como Ronda, Málaga o Barcelona.
UN BARCO LLAMADO LIBERTAD
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Se lo pedía el cuerpo, pero también había un clamor a su alrededor. "Oye, que esto del jazz y Bill Evans... todo muy bonito, pero, quiyo, ¿cuándo vuelves al flamenco?" Pues aquí está. Pero ni por esas. Niño Josele ha fondeado su barco en muchos puertos, y se le desparraman los saberes cuando hace una soleá o unos tangos o una bulería. Se empeña en ir más allá. Al fin y al cabo, así se lo enseñó Enrique. No podía ser de otra manera: acompañar desde los 17 años al maestro de maestros deja huella. En esa marca está grabada una forma de hacer, una forma de respetar las raíces, de anclarlas fuertemente para, a partir de ahí, ver qué pasa. A Morente está dedicado el tema que abre el disco y que le da nombre. Incluso escribió la letra para que su prodigiosa garganta expresara los misterios de la soleá unidos al sentir particular del guitarrista, de su concepción contemporánea. Nadie puede sustituir a Morente. La desgracia dejó huérfana la composición, y se quedó en un tema instrumental. Como huérfana se quedó Granada y la música española.
"El mar de mi ventana " es el regreso de Niño Jásele al flamenco. Pero la verdad es que nunca lo abandonó. Cuando acompaña a Joe Lovano o a Chick Corea o a Calamaro, es flamenco. Pero a su manera. Sus dedos investigan por su cuenta y no hay forma depararlos. Beben de aguas mil. "El mar es el flamenco, que se nutre de muchos ríos, de muchas fuentes", según expresa el propio músico. Y también es el mar interior, al que deja que nos asomemos a través de la ventana que abre con este disco, escrito en su Almería natal. Desde allí nos invita a subir a su barco, y a disfrutar de una tripulación de lujo, con Tomatito, Duquende, Alain Pérez, Carles Benavent. Lola Molina...y José Enrique, Soleá y Estrella Morente...y, ya la hemos liado, otro de los que se salen de la tabla, Paco de Lucia. Con este último la navegación nos lleva hasta el nuevo mundo. En "Caribeña", Niño Jásele responde al regalo de la colaboración de Paco con otro regalo. Una melodía "a medias entre la rumba flamenca y los sonidos caribeños”. Ahí le dejó la estrofa, para que él jugara, se divirtiera, improvisara. El resultado: dos genios de la guitarra intercambiando ideas, dejándose mecer por las corrientes oceánicas del Caribe y de Andalucía. No lo lean, escúchenlo. Hay una tira de Mafalda en la que uno de los personajes se sorprende y maravilla de todo lo que es capaz de albergar la mina de un lápiz. Basta con presionarla sobre un papel para que de ella salgan casas, personas, árboles. ..Así ocurre con la guitarra de Niño Josele. Que uno se pregunta cómo puede albergar tantos acentos, tantos sonidos, tanta sabiduría, tantas cosas. Niño Josele vuelve al flamenco sin haberse ido, y con la humildad y la grandeza del que sabe que su vida será un continuo aprendizaje. Ahora toca disfrutar, como siempre, de ese saber compartido.
Hijo de Josele (cantaor y guitarrista almeriense), empezó a instruirse en el instrumento prácticamente desde el vientre materno. A los ocho años de edad actúa en los escenarios junto a su padre acompañando con la guitarra en cuadros de baile, comenzó a despuntar a mediados de los años noventa actuando en múltiples concursos de guitarra con gran éxito y tocando en peñas de Andalucía acompañando a diversos cantaores. En 1996 ganó el Concurso de Jóvenes Intérpretes de la Bienal de Flamenco de Sevilla. Desde el año 1997 al 2002 realiza conciertos, giras y grabaciones con diferentes artistas como: Duquende, Remedios Amaya, Diego el Cigala, Sara Baras, Pepe de Lucía, entre otros. A mediados de 2.002 emprende gira con Enrique Morente y seguidamente en 2003 participa en "El pequeño reloj" disco de Morente. Desde 2002 a principios de 2004 Niño Josele compagina sus actuaciones con los conciertos junto a Enrique Morente y artistas tales como Bebo Valdés y Cigala, Jerry González, y además participa en numerosas colaboraciones de discos de grandes artistas entre los que se encuentra Luz Casal, Bebo y Cigala (Lágrimas Negras), José Luis Perales, Ana Belén, Laura Pausini, Duquende... A mediados de 2004 junto con su grupo habitual: Alain Pérez, "Piraña "y David Maldonado, comienza una gira con Paco de Lucía en "Cositas Buenas". Comparten seis años de gira por toda la geografía mundial hasta mediados de 2010.
Niño Josele debutó discográficamente en 1995 con "Calle ancha" un disco grabado con gran ilusión pero con muy pocos recursos, la grabación se realizó en Francia en apenas dos días. En 2002 se publica "Los Piratas del Flamenco", CD fruto de interminables veladas nocturnas en clubs de jazz madrileños en compañía de jazzeros y flamencos con un intercambio musical brillante: Niño Josele, Jerry González, Javier Colina, Piraña. Ese año edita su segundo álbum como solista “Niño Josele” (2003). En este segundo disco como solista, acuden artistas de diferentes estilos musicales: Enrique Morente, Andrés Calamaro y la Orquesta Nacional de Barbes. "Paz" (2006) es su tercer álbum, y es la guitarra de Niño Josele inspirada por el piano de Bill Evans, una inmersión al jazz que le abre las puertas hacia nuevos horizontes musicales enriquecedores para el flamenco, acompañado por un reparto de grandes músicos: Freddy Colé, Marc Johnson, Horacio El Negro Hernández, Joe Lovano. Tom Harrell, Jerry González, Javier Colina y Estrella Morente. "La Venta del Alma " (2009) una recopilación de antiguas obras. "Española "(2009), un álbum donde no hay voces en ninguno de sus nueve cortes, y las guitarras fueron grabadas en directo, sin edición. Le acompaña músicos versados en esta lides, como Ralph Bovjen, Alain Pérez, Piraña, Papo Vázquez John Benítez... y una colaboración de lujo, Phil Woods, el legendario jazzista de 78 años, compañero y heredero de Charlie Parker. Un trabajo producido por Fernando Trueba. Su última colaboración ha sido en "Miles Español", un CD homenaje a Miles Davis en el que ha grabado cuatro temas junto a Carles Benavent, Jorge Pardo, Chano Domínguez y Chick Corea con el que ha compartido escenario en Nueva York, Girona y Barcelona.
Título: "El mar de mi ventana”. Warner Music 2012. Guitarra: Niño Josele. Colaboran: Paco de Lucía, Tomatito, Duquende, Carles Benavent, Lola Molina y José Enrique Morente/Estrella Morente/Soleá Morente.
Aunque afincada en Sevilla, María Antonia Fernández nace en Huércal de Almería en 1986 en el seno de una familia gitana de artistas flamencos. Siguiendo los pasos de su hermano Manuel Fernández "El Titi", empezó a subirse a los escenarios a muy temprana edad, pues apenas si había cumplido los ocho años. Desde niña aprendió a escuchar flamenco en la Peña Flamenca "El Ciego de la Playa", de su localidad, en la que escucha a grandes cantaores de nuestro tiempo, cual fue el caso de Antonio Núñez "El Chocolate" por el que siente una profunda admiración. Sin olvidar el apoyo y el calor que la entidad flamenca le ha brindado siempre desde los inicios de su carrera.
Si en los principios tuvo que pasar por el no siempre agradable crisol de los concursos, en los que ha obtenido no pocos premios (1º Premio Concurso Venta el Compadre en 2003, 2º Premio "Cantes Bajo andaluces" Concurso Jóvenes Flamencos Calasparra en 2004, 1º Premio X Concurso Jóvenes Flamencos Federación Peñas Sevilla en 2009), pronto su nombre empieza a sonar en los ambientes flamencos y es reclamada para actuar en festivales y peñas flamencas recorriendo la geografía andaluza con algunas apariciones en programas televisivos. En el aspecto discográfico, en 2008 colabora metiendo su voz en cuatro temas del disco del guitarrista linarense Niño de la Paz; y más tarde, con tres temas en el disco “De Huércal a Jerez Ciegos por el Flamenco” de su hermano, Manuel Fernández “El Titi”.
De ella destacamos, sobre todo, su afán por aprender y enriquecerse como artista. Su estética es gitana y se siente atraída por los colores expresivos del cante gitano, pero está abierta a otras formas cantaoras como bien demuestra en esta primera grabación y en sus actuaciones en directo. Es muy joven y le queda toda una vida por delante para fijar su estilo propio. No obstante, Toñi Fernández se busca siempre en el sentimiento y el pellizco, en el jondo desgarro de su voz quebrada y en el ritmo y compás que cuadran los cantes.
En “DAME LA MANO” nos propone, de la forma más natural y sincera honestidad, una obra discográfica fundamentalmente de corte clásico y tradicional, sin renunciar a los nuevos tiempos, con arreglos modernos, estribillos pegadizos y cantes por soleá, alegrías, rumba, tarantas, tangos, bulerías, seguiriyas, canción por bulerías, malagueña y martinetes, con la producción y la guitarra del catalán Pedro Sierra y la colaboración de una amplia nómina de músicos como los guitarristas Diego del Morao o Jesús del Rosario.
Respondiendo así a su personalidad artística, el disco va a significar un descubrimiento para quienes todavía no la conocen y la constatación de una forma de cantar eminentemente clásica, algo que no es habitual en la actualidad.
Temas: Verdolaga (Soleá)-El mapa de mi vida (Alegrías)-Dame la mano (Tangos-Rumbas)-Peleando (Tarantas)-Si te separas de mi (Tangos)-Los rosales de Triana (Bulerías)-A mi hermano Manuel (Seguiriyas)-Eres el verso (Bulerías)-Si a mí me dieran (Malagueña)-Llaman a la puerta (Martinete) Cante: Toñi Fernández. Guitarra: Pedro Sierra, Diego del Morao, Riki Rivera, Jesús de Rosario, Miguel Salado, Jesús Fernández. Percusión: Pedro Nieto, Lucky Losada. Flauta: Jorge Pardo. Piano: Fidel Cordero. Bajo: Rafael Díaz Batería: Angie Bao. Coros: Manuel Fdez. “el Titi”, Cristian Guerrero, Iván Carpio, Juan Antonio Vacas, La Gorda, Amparo Lagare. Palmas: Luís el de la Tota, Juan Grande, Fernández, Pedro. Buzuki: Riki Rivera. Violín: Alexis Lefevre. Contrabajo: Javier López Por Miguel Ángel González
"La humanidad es patrimonio del flamenco", decía el maestro Enrique Morente, retrucando con certera socarronería al tardío descubrimiento llevado a cabo por la UNESCO en 2010. Verdad irrefutable. El flamenco sabe que ninguna cultura puede sobrevivir a la endogamia, que todo arte que se nutre sólo de sí mismo está condenado a corromperse y desaparecer: desde sus primeros balbuceos, en el último tercio del siglo XVIII, ya hizo de la humanidad, de todo cuanto es humano, fuere de donde fuere, su patrimonio. Desde más atrás incluso, desde sus remotos preliminares, amalgama de múltiples influencias étnicas, sociales y artísticas, el flamenco manifiesta una singular capacidad integradora, virtud que contribuye en no escasa medida a avalorarlo más aún en un mundo tan fragmentario como el actual.
Los romances, los más antiguos cantos populares españoles de tradición oral, así como las inmemoriales nanas y canciones campesinas de labor, o los fandangos y demás aires moriscos, confluyen, se decantan y depuran en el crisol de la música flamenca, siempre extraordinariamente versátil, en continua transformación y evolución que, en nuestros días, tienden puentes también a la música clásica, al jazz, al rock, a la salsa, al góspel...
Y otro tanto ha sucedido, de manera exuberante en las últimas décadas, con las nuevas letras que introducen en el cante artistas como Menese, Morente, Camarón, Gerena o Paco Moyano, por citar sólo algunos de los pioneros más conspicuos. Poetas como Lorca, Antonio y Manuel Machado, Miguel Hernández, Bergamín, Juan Ramón Jiménez, Pedro Garfias, Alberti, Omar Kayan, San Juan de la Cruz, y muchos otros, se han incorporado al cancionero flamenco, a despecho de inmovilistas, puristas y conservadores a ultranza.
Pues bien, la poesía de David Rosenmann-Taub resulta ser, a través de la presente grabación, la última adquisición de esa nobilísima y ya vasta nómina. Aguacibera se constituye así en orgulloso embajador de una voz cuyo señero discurso poético, inaudito hasta el presente en estos pagos, viene a enriquecer el corpus literario flamenco y a ser musicalmente enriquecido por él. Una tarea a todas luces ardua, sólo posible merced al emocionante cuanto perceptible amor al oficio de que sus autores hacen gala en este disco, y que, justo es notarlo aquí, se ha visto sensiblemente facilitada por la música propia subyacente en los poemas de Rosenmann-Taub, circunstancia a que no puede ser ajena la dualidad artística de quien es a un mismo tiempo poeta y compositor.
De su antes aludida capacidad proteica son buen ejemplo, los cantes americanos del flamenco, mal llamados de ida y vuelta. En esta grabación se ofrecen, como no podía ser de otra manera tratándose de un autor hispanoamericano, tres muestras muy representativas: rumba, vidalita y colombiana, e incluso el acompañamiento guitarrístico aguajirado de las cabales, inconfundible signo distintivo de este palo antiquísimo. Junto a estos cantes, otros tan acendrados y venerables como las soleares, tonás, tientos y bulerías. Y un tema de adscripción no flamenca para el poema Schabat, en homenaje a la ya mencionada faceta compositora de David Rosenmann-Taub, si bien el Homenaje propiamente dicho, a la vez poético y musical, reside en los versos de Antonio Machado, Hernández y Juan Ramón, que se mecen a compás de tangos de Granada: un brindis alborozado, jondo y sensual, que el flamenco en general y el flamenco granadino en particular tributan al poeta chileno, en este su feliz maridaje con la más demandada y aplaudida de las creaciones musicales españolas de todos los tiempos.
Nacida en Granada, Esther Crisol dio muestras desde muy niña de vivo interés por la música en general y por el flamenco en particular, interés que pronto se hizo extensivo a todo cuanto tiene que ver con el arte. El ambiente familiar, entre otros factores, fue decantando su actividad hacia el género andaluz por excelencia, y sus primeros pasos profesionales como cantaora se produjeron a partir de que ganara el I Concurso de Jóvenes Flamencos promovido por la Diputación de Granada, a consecuencia del cual realizó su primer registro sonoro en un disco colectivo junto a otros jóvenes artistas. Pero es en su primer trabajo en solitario, De la Fuente, grabado en 2010, donde Esther da cuenta, a modo de carta de presentación pública, de un apasionado desvelo clasicista, que le lleva a rendir homenaje a los cantes y cantaores más puros, puntales irrenunciables de su iniciación y evolución. Maestra de música y violinista, su formación docente y su gusto por la poesía le han servido al mismo tiempo de fuerte incentivo y de valioso auxiliar para dar a luz este nuevo trabajo, Aguacibera, en el que aborda diversos palos flamencos, sin abandonar las raíces clásicas pero abriéndose más a la experimentación y a la expresión de su personal concepción de la música.
David Rosenmann-Taub (Santiago de Chile, 1927) ha demostrado a lo largo de su obra un extraordinario talento sinérgico para la poesía y la música. Su libro, Cortejo y Epinicio (1949), publicado a los veintidós años, fue recibido como una revelación por su novedad y luminosa fuerza expresiva, y lo situó en la primera línea de la lírica contemporánea chilena. Con el paso del tiempo, su completa dedicación a su arte, alejado de la vida social, ha dotado a su figura de una condición legendaria. Fue uno de los iniciales poetas latinoamericanos a quien la Biblioteca Cervantes Virtual incluyó en su sitio con su propia Biblioteca de Autor. Lleva publicados más de quince títulos y sus libros se han traducido a varias lenguas. David Rosenmann-Taub reside en Estados Unidos, donde continúa escribiendo, componiendo y dibujando.
Quise contar una historia, la de mis amigos Ahmed y Khaled, que cumplieron su sueño de emigrar a Europa, ese El Dorado que al final resultó pan de oro. Hicieron una larga travesía por el desierto para emprender otra dura travesía por el mar, y luego otra y otra alejándose de su origen. Entonces me di cuenta de que la mía era también una travesía y recordé el poema de Luis Ríus - "Cada vez que me pongo a caminar / hacia mí pierdo el rumbo, me desvío" Quise contar una historia, y la historia me contó a mí.
Cuando el guitarrista flamenco Gerardo Núñez se pone a escribir, suele tener una sola cosa en la mente: la música.
Sin embargo, cuando comenzó a trabajar en este nuevo disco, "Travesía", esperado sucesor de aquel "Andando el tiempo" editado en 2004, se planteó relatar una historia que le había conmovido personalmente: la de sus amigos Ahmed y Khaleb. Sucedió un domingo, mientras pasaba una tarde tranquila en la playa, tomando el sol y bañándose con su familia. De pronto vio algo inesperado en el horizonte: un bote abarrotado de gente. Mientras la destartalada embarcación se acercaba, todo el mundo se dio cuenta a lo que se enfrentaban. Gerardo Núñez junto a su familia, y otra mucha gente en aquella playa, contemplaron los demacrados rostros de aquellos refugiados africanos. "Era gente que había abandonado sus hogares en el Sahara buscando felicidad y una vida mejor. Europa era una especie de El Dorado para ellos", dice Gerardo mientras sacude la cabeza. "Me sorprendió lo amable que fueron mis compatriotas españoles. Inmediatamente les atendieron y les ayudaron a esconderse o escapar. Si la policía los hubiese encontrado, seguro los habrían deportado de inmediato". Gerardo Núñez se hizo amigo de dos de aquellos hombres que viajaban en el bote: Ahmed y Khaleb. Aún hoy, este virtuoso del flamenco, sigue trabajando con ellos; en invierno, suele organizar conciertos en una bodega en Andalucía y los dos africanos le ayudan en la organización. "En "Travesía" cuento su historia que, en realidad, tiene mucho que ver con el flamenco. Este estilo musical tan español es especialmente popular entre la etnia gitana, los romaníes españoles. Las raíces de esta gente ambulante están en la India y desde allí se han ido desplazando por diferentes partes del mundo. El flamenco surgió en Andalucía y se alimenta de diferentes influencias", relata Gerardo Núñez. A lo que se refiere es al reino de AI-Andalus, en el que los conquistadores árabes vivieron en paz junto a cristianos y judíos durante mucho tiempo y crearon una cultura floreciente y única. "Existe también paralelismo con el jazz. Obviamente el jazz tiene formas diferentes al flamenco pero también proviene de diferentes culturas". El jazz fue una de las primeras aficiones de Gerardo Núñez. Se quedaba extasiado escuchando la música de Charlie Parker, Thelonious Monk y John Coltrane, que ponían en la radio de una base americana cerca de su casa en Jerez de la Frontera. En su juventud, el aspirante a guitarrista de flamenco, siguió fiel a su tradición musical y acompañó a cantantes y bailarines famosos. Sin embargo, en compañía de sus amigos, se sentía libre para combinar diferentes estilos e inspiraciones musicales. Para los puristas esto es absolutamente inadmisible -ellos defienden la pureza en el flamenco pero, a pesar de estos tradicionalistas, Gerardo Núñez es hoy en día considerado un virtuoso innovador muy importante. La personalidad de Gerardo se ha visto influenciada por sus colaboraciones con músicos de todo el mundo provenientes de géneros musicales inimaginables. No sólo ha trabajado con Plácido Domingo o Julio Iglesias, sino también con Eberhard Weber, Richard Galliano y Enrico Rava. Además ha sido uno de los músicos protagonistas en aquel "Jazzpaña II" (editado en el año 2000, donde también estaban Michael Brecker, Chano Domínguez, Jorge Pardo, Perico Sambeat y Renaud García-Fons, entre otros).
"Travesía" es una prueba más de que su música trasciende las fronteras del pensamiento. Pop, funk, jazz y música latina refrescan el flamenco de Gerardo Núñez y se combinan con extraordinaria y absoluta destreza, técnica y pasión. En esta grabación, su mujer, la famosa bailarina Carmen Cortés (para quien ya ha compuesto algunos temas), y su hija Isabel, se unen al proyecto con sus palmas y sus taconeos. También cuenta con la colaboración especial de prestigiosos maestros del jazz como el saxofonista Perico Sambeat, el pianista Albert Sanz y el percusionista 'Cepillo', con quien ha coproducido el disco. Esta aventura en común se llama 'Travesía"; mientras los africanos cruzan el Mediterráneo en busca de un hogar, estos músicos cruzan las fronteras de la música. ©Traducción del texto en inglés del sello ACT GERARDO NÚÑEZ guitarra flamenca ÁNGEL SÁNCHEZ GONZÁLEZ "CEPILLO" percusión, palmas y coros CARMEN CORTÉS GARCÍA & ISABEL NÚÑEZ CORTÉS percusión, palmas y coros PABLO ROMERO guitarra eléctrica ALBERT SANZ & PEPE RIVERO piano PABLO MARTÍN & ANTONIO RAMOS "MACA" bajo eléctrico CARLOTA PASSOS-PEREIRA CORTÉS, CORAL CORTÉS GARCÍA & MARIO CORTÉS coros BILAL DEMIRYUREK, JUAN LUIS CANO, LUKY OYEGUE & CHRISTIANS LORYS voces 1. Ítaca - 03:22 (Gerardo Núñez) 2. No ha podío ser - 05:03 (Gerardo Núñez) 3. Compás interior - 01:26 (Gerardo Núñez) 4. Chicken Dog - 07:04 (John Scofield) 5. Tío Pepe - 02:52 (Gerardo Núñez) 6. A rumbo - 06:18 (Gerardo Núñez) 7. Tío Perico - 01:03 (Gerardo Núñez) 8. Travesía - 09:32 (Gerardo Núñez) Producido por Gerardo Núñez y Cepillo (coproductor) Grabado por Cepillo y Basi (asistente de grabación) en Estudio El Gallo Azul en Madrid y Ramón Salazar en Estudio La Azotea en Cádiz. Mezclado por Pablo Martínez y Daniel Pradillos en Musigrama, Madrid. Masterizado por Klaus Scheuermann Dos son las características sobresalientes de este intérprete brillante que mira al futuro desde la atalaya de su primer disco, que ahora tienes en !as manos firmemente sostenido en el pasado. Asume con toda naturalidad Manuel Romero aquello de que “somos enanos a lomos de gigantes". Los gigantes, de talla mediana en lo físico se llaman Antonio Chacón, Enrique el Mellizo, Joaquín el de la Paula, Manuel Vallejo Niña de los Peines, Tomás Pavón, Manolo Caracol, Antonio Mairena, Camarón, Morente… Quiero con ello decirte querido aficionado, que tienes en tus manos una obra estrictamente tradicional tanto en música como en letra. Eso sí, en la garganta, en las manos, de tres artistas muy jóvenes. Aquí no hay pretextos de modernidad o vanguardia para ocultar intenciones puramente crematísticas.
Si te gusta el cante flamenco, el cante, has hecho la elección adecuada. Tonás, seguiriyas, polo, bulerías, guajiras... en unas formas, musicales y literarias que no por ser remotas son mejores. Son mejores, sin más, por su enorme calidad artística y por eso han sido escanciadas por el tiempo. También en el pasado, en la época en que se compusieron esas malagueñas, estos tientos y estas cantiñas, había música y poesía de ínfima calidad. El tiempo ha sido el antólogo de esta obra.
¿Sabes ya de qué dos características estoy hablando? Lo brillante es fruto de la juventud del intérprete principal y, también, de ese don de la naturaleza que es el chorro de voz, potente, clara, de timbre denso y viril, naturalmente bella. Manuel Romero mira al futuro desde el presente de su juventud. Y mira al pasado desde su enorme afición a este arte llamado flamenco, al clásico que de él se ha derivado por la criba de los años. La tradición también se nutre del olvido como estas guajiras de finales del siglo XIX de las que no nos acordamos en cien años y que ahora vuelven a nacer en las voces de estos veinteañeros gracias a las vanguardias técnicas, a la tecnología digital que nos permite volver a escuchar como recién grabado los cilindros de cera de nuestros bisabuelos.
La misma lozanía y el mismo afecto a la tradición adornan a !as dos guitarras. La seguridad, el poso, la firmeza de Ulrich se une en la bulería a la sólida serenidad de Pedro que en la guajira se deja llevar por una vibrante y muy contemporánea fantasía. Porque esa es la gracia de este disco, de estos artistas: en ellos la tradición sólo tiene sentido “en cuanto actúa en una conciencia, por ende incorporada a un presente, y en constante función de porvenir” que nos enseñó el maestro Juan de Mairena. Por eso la tradición sólo tiene sentido cuando, como en cada una de las audiciones de este registro, se nos aparece como recién parida. Esa es la afición verdadera: incorporar la tradición a la propia vida, a las propias células, de manera que cuando Manuel Romero abre la boca lo que escuchamos, tantas veces oído, lo escuchamos por vez primera. Ese es el milagro.
Guitarras: Ulrich Gottwald y Pedro Barragán
Cantes: Polo, malagueña, soleres, tientos, guajira, soleá apolá, seguiriyas, bulerías y tonás.
Grabado en Sevilla entre diciembre de 2011 y enero de 2012. Realización: Ulrich Gottwald
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